绘画主义摄影：艺术小百科中的突破与发展

绘画主义摄影

绘画主义摄影是流行于20世纪初摄影领域的一种艺术流派，它产生于19世纪中叶的英国。该派摄影家在创作上追求绘画的效果，或“诗情画意”的境界。它大致经历了这样三个阶段：仿画阶段；崇尚曲雅阶段；画意阶段。

绘画主义摄影家提出，“应该产生摄影的拉斐尔和摄影的提茨安。”

绘画主义摄影经历了较长的发展时期，第一个绘画主义摄影家是英国画家希路（1802～1870），他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851年至1853年，是绘画主义摄影的成长时期。1869年，英国摄影家HP罗宾森（1830～1901）发表了摄影的画意效果一书，他提出：“摄影家一定要有丰富的情感和深入的艺术认识，方足以成为优秀的摄影家。无疑的，摄影术的继续改良和不断发明启示出更高的目标，足以令摄影家更能自由发挥；但技术上的改良并非就等于艺术上的进。因为摄影本身无论如何精巧完备，还只是一种带引到更高的目标而已。”为该派奠定了理论基础。

1857年，雷兰德（1813～1875）创作了一幅由30余张底片拼放而成的、具有文艺复兴风格的作品：两种生活方式，标志着绘画主义摄影艺术上的成熟。

绘画主义摄影

这一时期的作品，其题材大都富有宗教色彩，含有一定的规喻性。拍摄时，预告打好草图，然后利用模特儿、道具，组织和安排场面，并通过暗房加工而成。追求照片画面的绘画效果。随后，绘画主义摄影的内容有所扩大，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍具学院派的法则，因而显得储蓄、沉表、典雅。

当该流派发展到画意阶段时，追求作品的情感、意境和形式的美，依旧是它的特点。

由于绘画主义摄影家强调艺术修养：“如果想要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和育实艺术的修养。”所以其历史功绩是把摄影从初期机械地摹写对象引导到造型艺术的领域中去，促使了摄影艺术的发展。

由于绘画主义的创作大都脱离现实生活，加上摄影器材的日益改善，人们早美趣味的不断发展，为“自然主义”所冲击。尽管这样，在今天的摄影艺术殿堂中，仍有它的席位。

这一流派的主要摄影家和作品有：普莱期的男爵之宴、鲁宾逊漂流记、宝塔情景；罗宾林的当一天工作完了的时候、秋天、两个小姑娘、弥留、拿着毒药瓶的朱丽叶、黎明和落日；雷兰德洗礼者圣约朝霞之首、伊菲吉尼亚、优迪特与荷罗佛尼斯；金马伦夫人（1815～1897）的汤姆士卡莱尔和尼达（1820～1910）的弥留之际的嚣俄等等。

印象派摄影

印象派摄影是从印象派绘画中得到灵感的。19世纪60年代中期到80年代，绘画印象派运动在法国盛行，著名的印象派画家莫奈（Monet）和雷诺阿（Renoir）为了反对绘画的陈规陋习，力求再现那些在充满光线的气氛中传达物体的视觉印象的色彩。这一具有创新意义的实践摄影界引起了尽管是迟到的、但却是重要的反响。

最早接受印象派观念的实际是前面提到的英国自然主义摄影家埃默森。埃默森当时提出的焦点摄影理论，曾认为人的视觉边界是不明确的，中间部分清晰，边缘部部分模糊。为了使照相机达到人类视觉再现的效果，他劝告摄影同行不必使影像都达到最清晰的程度，仅仅清晰地展现景物的部分完整细节，就能获得更自然的效果。尽管埃默森的“有差别的调焦”引起了守旧的英国画意摄影派的激烈反对，但出乎埃默森意料之外的是，一幅照片甚至可以将画面完全置于焦点之外，这一激进的观念就成为后来的印象派理论的基础。

1890年，后来成为英国伦敦柯达有限公司经理的乔治·戴维森（George Davison，1856～1930）在一次关于“摄影的印象派”讲座中坚持认为，尽管锐度和清晰度对一些照片是至关重要的，但是在其他情况下，它们也可能完全用着。他认为决定性因素是摄影师在艺术上的观念。为了说明他的观点，他展出了一幅后来成为摄影史上的经典摄影作品《洋葱田》，这幅看起来完全是“印象派”的没有经过调焦的照片，其实是没有通过镜头而是用金属片上的针孔拍摄的。

戴维森的实践立即引起了大量年轻的摄影师们的兴趣，他们借助针孔镜头和特殊的柔焦镜赋予摄影完全朦胧的印象，或是在印相时使用漫射滤光镜，甚至开始戏剧性地修整负片或是直接在照片上施用画笔以达到朦胧的效果。从总体上看，印象派摄影作品营造了一种浪漫的风格，从而与传统的画意摄影形成了迥然的区别。

受印象派摄影影响并身体力行的摄影家主要有：英国摄影家约翰·杜利·约翰斯顿（John Dudley Johnston，1868～1955），法国摄影家罗伯特·德马奇（Robert Demachy，1859～1936），奥地利摄影家海因里希·库恩（Heinrich Kuehn，1866～1944）等。除此之外，印象派摄影在美国也引起了不小的反响，后文提到的摄影分裂主义中的不少成员如爱德华·施泰肯、阿尔文·兰登·科伯恩等，于1900年在伦敦举办了“美国画意摄影新学派”作品展，尽管同样是朦胧效果的画面，和英国人不同的是，他们不是将印象派技巧应用于风景和人像，而是从日常生活中寻找灵感，其作品并不仅仅限于形态与影调的优美安排。

当然，印象派摄影并不都是赢得一片喝彩的，一些评论家无情地讽刺这些“摄影模糊图像学派”，甚至连萧伯纳这样同情摄影的作家也承认非常不喜欢这些新的“失真的摄影师”。十几年以年，随着摄影观念的迅速转变，许多印象派摄影家也放弃了这种风格，重新探索不加控制的、“直接的”摄影的各种可能，从而也为直接摄影派的出现奠定基础。

写实摄影

写实摄影的开始，是在第一次世界大战结束后，沙龙的画意摄影开始遭到阴力，1902年，新一代的摄影家们对于摄影艺术的观点，有极大的转变，他们注意到摄影机有无比的“写实”能力，同时对于生活也有了深刻体验，透过摄影机忠实地描画出人类生活情况，反对没有生命，仅仅是“唯美的”、“为艺术而艺术”与大众无关的“画意主义”，提倡“为人生而艺术”、真实地，不加以布置和安排，以人类生活环境中，拍摄难得瞬间的印象，当然它必须有感人的事实。

写实摄影，是注重“真”，对于题材，采取广泛，不论街头巷尾、工厂矿坑、战场阵地、穷乡僻壤，都可以捕捉到从来未发现过日常生活的动作或动态的感人画面。

写实作品的拍摄，是利用自然的光线和背景，捕捉人们的真实表情，不事雕琢与摆布，不以暗房中的技巧来弥补缺陷和夸张特点。只要人物有个性，有真情的流露，或挣扎努力，或痛苦欢乐，就以敏捷的手法拍摄，使人感到有坦率的热情，强大的吸引力，这是一种自然朴实、豪迈不羁的作品。

如街道上人物的动态，和有关事物的发生，猎取一类现实生活片段的题材，也都属于写实生活摄影中的一个项目。虽然如此，在这范围内可供猎取的镜头却很广泛，问题在于聘书外猎影，总带有遇或不遇的机缘，个人对某事件观感有别，加上眼、心、手的敏捷程度与拍摄技巧修养的深浅，都影响收获的成果。

写实主义摄影

不少可遇不可求的题材，只有巧遇才有机会拍摄。纵使多人同时发现，但在某些人眼中认为不值得拍摄，而在触觉敏锐的眼下，会将“不值得猎取”的题材，拍出很有表现力的照片。

写实摄影，一般事前预先选定快门光圈，方不致临时周章。必要时因题材需要，立刻改拨较高速的快门以冻结影像，或因背景线条过于杂乱而用较大光圈，利用浅景深而突出主体。但不要忘记调整配合的光圈或快门，以适应现场的光值。

有人认为写实的作品是记录照，这是不公平的。不错，写实照片是从记录照片中蜕变而来的，但并不等于记录照，虽然写实摄影并不苛求画面的美，但也经过严格的选择，上乘的作品，除了强烈的表现出和谐、刺激、富有感染力的内容外，即在前景与陪衬、光源的强弱、高低的角度，仍要顾及到适当的处理才妥帖，尤其必须作者在日常生活中，发现感动自己的内心的、启发的、警惕的、同情的、感慨的，然后透过“思想”与“镜头”的定形，“巧妙”地处理，这才是一张上乘写实作品，有人以写实为标榜，粗制滥“照”，还沾沾自喜，实际上距离写实的真谛还有一大段路程。

自然主义摄影

19世纪末，画意摄影流派几乎主宰着全世界的摄影沙龙和展出，但也日益显示出它的保守和固步自封。特别是在19世纪80年代中期，英国的摄影已经以闭关自守和毫无独创性而闻名，这就使得一些独具个性的摄影家感到了不满，开始了对画意摄影的挑战。1889年，以英国摄影家彼得·亨利埃默森（Peter Henry Emerson，1856～1936）的《自然主义摄影》一书为标志，自然主义摄影流派提出了“回归自然”的口号，展开了对矫揉造作的画意摄影的直接挑战，并且在摄影界引起了轩然大波。

自然主义摄影

自然主义摄影提倡对自然的直接感受，也就是要求在实际的自然环境中拍摄自然景物。自然主义摄影的原则是把眼睛感受到的自然现象直接记录下，来要求主题的真实性而不是有意的安排或设计，选择构图和找好视点固然很重要，但构图应该以每处景物的内容决定，而不是要依据什么强加的“艺术准则”，任何过于复杂的人为加工，只会损害图像的内在美，破坏作品价值。这本在伦敦问世的《自然主义摄影》小册子在前三章中特别强调了作者对艺术理论的看法，并说明了每时代的艺术杰作都是对自然界的直接反映和记录，人为地加工和影响会有损于而不是有助于艺术的表达。埃默森还同时提出了焦点摄影理论，他认为人的视觉边界是不明确的，中间部分清晰，边缘部分模糊。为了使照相机达到人类视觉再现的效果，他劝告摄影同行不必使影像都达到最清晰的程度，仅仅清晰地展现景物的部分完整细节，就能获得更自然的效果。

由于他在书中直接指出画意摄影的方式是“支离破碎式的”，对鲁滨逊涉及画意摄影的通俗读物《摄影的画意效果》进行强烈的抨击，因此在摄影界引起了巨大的反响，令许多画意摄影流派的摄影家都感到了深深的震惊，从而在一定意义上影响了摄影流派的发展趋向，起到了不可低估的历史作用。

他的摄影理论和实践影响了相当大一批摄影者，这些摄影者深入到英国的风景区和乡村，拍摄了很多影响深远的自然主义摄影作品。其中尤以英国摄影家里德尔·沙耶（Lidell Sawyer 1856-1895）、弗兰克·M．萨特克里弗（Frank M．Sutcliffe，1853～1941）的成就最为引人注目，他们在“自然主义宣言”提出以前已经开始进行同画意摄影风格不同的实践，埃默森的观点更坚定了他们的信念。这两位摄影家在经营摄影社的同时，不断地推出自然风景和风谷照片参加展出，留下了不少经典之作。

纯粹派摄影

二十世纪初，摄影艺术的创作思想是活跃的。这一时期摄影发展的总体趋向是由“造型性”向“纪实性”靠拢与融合，使主宰初期摄影的“高艺术”解体，代之以“画意摄影”的兴起。但由于印象派摄影的中后期，摄影创作向“造型性”反弹和回复，又一次引起摄影界的震动和反对，发出“形式服从功能”的呼声。

1904年，美国一位名叫哈特门的评论家对印象派过于模仿绘画的创作手法提出严厉批评，他指出：摄影应该是“依靠你的照相机、你的眼睛、你的高度的鉴别能力、你的构图修养、你要重视色彩、光与影的变化，研究线条、影调、轻重和物与物的空间关系，耐心等待到你所要拍摄对象最美的瞬间状态的出现。”他吁请大家“不要误会我的意思，我并不是要大家囿于我上面的观点，也更不是不要大家像目前那样去刻意追求艺术。刚好相反，而是希望能比现在更艺术。……我深信只有如实地摄影才能做到”。由此可见他的摄影观的内核不是对画意摄影的叛逆，而只是希望摄影发挥摄影的本体特性——纪实性，充分发挥照相机、镜头和感光材料的独特功能进行“纯粹摄影”的创作，去获得“比现在更艺术些”的效果。

纯粹派摄影

上述新的摄影艺术理念在摄影界立刻获得被影评家纽霍尔誉为“一生都在严格地研究和考察照相机、镜头和感光材料的基本性能”的著名摄影大师斯蒂格里茨的响应与支持。他首先在自己于1902年建立的摄影组织“摄影分离派”里，与中坚分子斯泰肯、伊文斯和科伯恩等人行动起来，吸收“自然主义摄影”理论中的合理部分，倡导摄影艺术应该弘扬自身的特质和性能，彻底抛弃绘画对摄影的影响，推广哈特门的“纯粹”摄影理念，用纯净的摄影技术和手段去求得摄影自身所具有的审美效果——高度清晰的影象、丰富的明暗层次、微妙的光影变化、细腻的纹理表现。由于他们的成就和在摄影界的地位，很快在他们周围凝聚了一批摄影家，推动人们对摄影本体和独特表现手段的重视、探索和研究。

摄影史家将他们和一批持上述摄影艺术理念创作的摄影家及其作品，即在摄影艺术上刻意追求优良“摄影素质”——准确、直接、精微、和自然地表现被摄对象的光、色、线、影、纹、质诸方面，而不借助其他造型技术手段的摄影家及其作品，冠以“纯粹派”之称。

随着时代的变化，纯粹派摄影后来分成两个分支：一个分支是以特写表现物体局部，以凸现“形”与“质”为已任的“新即物主义摄影”，另一分支则向线条、简约、歪曲和图案化发展而成为“抽象派摄影”。

纯粹派摄影的著名摄影家除文中已提及的以外，还有斯特兰德、韦斯顿、亚当斯、坎宁安……名作有斯蒂格里茨的《日光与阴影》（1889年）和《赛马场》（1904年）斯特兰德的《白色栏杆》（1916年）、伊文斯的《台阶》（1903年）、斯泰肯的《摩根肖像》（1903年）和希勒的《内部》（1917年）等。

新即物主义摄影

新即物主义摄影又称“支配摄影”、“新现实主义摄影”。为本世纪二十年代出现的一种摄影艺术流派。

该流派的艺术特点是在常见的事物中寻求“美”。用近摄、特写等手法，把被摄对象从整体中“分离”出来，突出地表现对象的某一细部，精确如实地刻画它的表面结构，从而达到眩人耳目的视觉效果。它不考虑艺术的本质在于提示对象的本质，因而其美学思想是属于自然主义范畴的。例如，摄影家帕邱在1923年拍摄的火车头的回转轴就是用近摄手法，表现了火车头回转轴运转时的状态，由于画面摒弃了其他细部因而给予观众的视觉印象是强烈的。

新即物主义的理论先驱是斯特兰德，他对即物主义艺术特征作了如下规定：“新即物主义乃是摄影的本质，并且也是摄影的产物和界限。”他认为，摄影“对生命的表现极强，而且需要观察正确事物的眼睛。为此，并非根据敷衍的过程和操作方法，而是必须运用纯净的摄影术才行。”新即物主义摄影的创作先驱则是阿杰和斯泰肯。而实际创始者为上面提到的帕邱。

帕邱反对摄影依赖于绘画，他强调摄影艺术必须依靠摄影的自身特性，认为摄影的审美价值隐藏在自身的特性里，只有充分发挥摄影的自身特性才能创造出美，他说：“绘画应该随便由画家去画，只有根据固有的特质，才能创造出可以自立的摄影，没有任何东西是从绘画所借用的。”

新即物主义摄影家的功绩是促使人们对摄影自身特性的研究和探索，把摄影从审美性的虚幻世界中拉回到现实生活中来。但是，由于过分强调了细部物质表面结构的描写，为后来的抽象主义摄影提供了萌发的土壤。

1925年前后，由于出现了大口径的小型照相机，新即物主义的表现领域有了新的发展，产生了不少人像作品及反映社会生活和自然风光的作品。

新即物主义的著名摄影家有桑德（1876～1964）、勒斯基（1871～1956）、黑葛（1893～1955）、希尔夏（1881～1948）休利曼·霍培（1878～？）、埃夫特（1874～1948）、威斯吞·亚当斯（？～1902）等。

超现实主义摄影

超现实主义艺术源于法国作家勃勒东发表于1924年的《超现实主义宣言》。他在这篇宣言中写道：“超现实主义是人类的一种纯粹的精神无意识活动。人们可以用无论是口头、书面还是其他方式来表达思想的这一真实过程——在不受理性的任何控制、又没有任何美学和道德的成见时的思想之自由活动。”

由此可见，这一艺术流派的哲学基础是柏格森的直觉主义和弗洛伊德的精神分析学说。在他们看来，人的最真实的感觉只能在潜意识和梦幻当中。因此，人类的下意识活动、突发灵感、心理变态和梦幻世界，才是一切艺术驰骋的广阔天地。

曼·雷（1890～1976）是一位曾参与达达派和超现实主义派艺术活动的不知疲倦的摄影技术试验家和摄影艺术家。他曾尝试不用照相机，而是将某些物体直接置于光源和感光材料之间，通过轮廓、阴影的透射制作成照片。后人将这种不用底片的“照片”称为“曼·雷式照片”或“物影照片”。他还曾利用暗房加工、多次曝光等特技将一些互不关联的影像或变形、或省略，反逻辑、超常态地错乱组合在一起，创造一种现实与梦幻、具象与抽象之间的奇特，荒诞而又神秘的，“艺术境界”。画面充满着某种象征性和暗示性，使作品内涵闪烁而不确定。

美国超现实主义摄影家菲利普·霍尔斯曼曾为他的好友，西班牙著名超现实主义画家达利拍摄并出版了一本超现实主义摄影集《达利之须》，表现出他的非凡的想象力。其中一幅题为《达利·阿托米卡斯》的照片，其构思受到现代物理学原子理论的启示，“把所有的东西都据实作为半悬空状态来描绘”，画面中的一切，包括达利、猫、水、画板与椅子都像在失重环境里那样飘浮于空中。由此可见，超现实主义摄影是利用摄影艺术的造型特性，将摄影当作画笔来表现作者的某种理念。

超现实主义摄影

超现实主义摄影还有另一种存在形态，亨利·卡蒂埃创作的某些作品就是这样的超现实主义摄影代表。这些作品的画面虽然是“纪实”的，但只是用来物化摄影家头脑中瞬间意识运动的艺术符号。其创作趋向于“心理自由化”和纯直觉表现，通过自由联想，自由地、随意地、松散地、不受逻辑支配地进行创作，但又并非完全都是“想象的漫无边际，感情的无端跳跃，怪诞形象的杂乱堆积”。用亨利·卡蒂埃—布勒松自己的话说就是“要时时刻刻地观察事物，就像跳舞一样，在有意识和下意识之间摆动，突然地发现并抓取那些刹那间的、自然出现的、直观感觉的景物”，“与其说我是个摄影家，不如说我是个蚀刻家或水彩画家……我是一束等待着时机的神经，在景物一次又一次地出现之中。突然拍摄，这是一种自然的快乐，是活动、时间与空间在某一时刻的集结”。

超现实主义摄影的造型手段多种多样。如比尔·布兰特的变形、赫伯特·巴耶的“摄影光塑”和曼·雷的多次曝光等，都各有千秋。

抽象摄影

抽象摄影为第一次世界大战后出现的一种摄影艺术流派。

该流派的摄影家否定造型艺术是以可审视的艺术形象来反映生活、表现艺术家审美感受的这一基本特性，宣称要把摄影“从摄影里解放出来”。

初期，用无底放大法省略去“被摄体”的细部纹理和丰富影调，制作成仅表现其形状的“光图画”。后来发展到或运用光线，或剪辑集锦，或中途曝光，或拍摄时震动照相机使被摄体形象在底片中的结象模糊，或多次曝光使之重影，直到改变画面的表面结构，改变被摄物体的原有形态和空间结构，力图使用所谓形式、影调（色彩）和素材的“绝对抽象的语言”，使被摄物体转变成某种不能辨认为何物的线条、斑点和形状的结合体。以表现该派艺术家奉为圭臬的所谓人类最真实、最有本质力量的潜意识世界。在作品中，被摄物体只不过是被艺术家借来随心所欲地产生表现自身想象和个性“旋律”的音符。

抽象摄影

抽象摄影的发轫者为泰尔博（1800～1877）。开始时，作品画面仍保持一定程度的可辨认性。至1917年摄影家科班（1882～？）用木片和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》就已完全不可辨认了。1922年，匈牙利抽象画家莫荷利纳基（1895～？）在曼瑞（1890～？）等人的基础上加以发展，并从理论上予以确立。随后，抽象画家康丁斯基、克勒等引进了显微摄影和X光摄影，从而大大扩大了抽象派摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，并风行于欧美等国。

该流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬宁格、安真兰特、佛莱泰、温隙斯特、格连巴晤、夏德和布留奎尔等。

堪的派摄影

堪的派摄影是第一次世界大战后兴起的、反对绘画主义摄影的一大摄影流派。

这一流派的摄影家主张尊重摄影自身特性，强调真实、自然，主张拍摄时不摆布、不干涉对象，提倡抓取自然状态下被摄对象的瞬间情态。法国著名的“堪的”派摄影家亨利·卡笛尔·布列松说过：“对我来说，摄影就是在一瞬间里及时地把某一事件的意义和能够确切地表达这一事件的精确的组织形式纪录下来。”因而这一流派的艺术特色是客观、真实、自然、亲切、随便、不事雕琢、形象生动而富有生活气息。

“堪的”派中的摄影家，就其美学思想和创作倾向而言，情况是比较复杂的，虽然他们都崇尚人性世态的表现，且大部分都从事于新闻摄影工作，但有的为自然主义者，有的为写实主义者。

该流派的催生作品是一八九三年摄影家阿尔弗雷德·斯迪格的《纽约第五街之冬》，而真正完成者则是德国的摄影家埃利克·沙乐门博士。他用小型相机在一次德法总理举行的夜间会议结束时拍摄的《罗马政治会议》，由于它的生动、真实、朴实、自然，而成为该流派名垂摄影史的经典作品。

在摄影美学上，他们认为“以摄影的基本特点为基础的照片，是画家或蚀刻家所无法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表现力，甚至是用其他媒介不可能表现出来的特性”。其次，对客观事物的表现，他们重视和强调独创性，说：“（摄影家要用）自己的眼光来看世界，不要通过别人的眼光来看世界，而这正是区分照片是平庸还是高明，有价值还是没有价值的标准。”

该派著名的摄影家有美国的托马斯·道韦尔·麦阿沃依；英国的茜莉特·摩戴尔；法国的维克托·哈夫门；以及路易斯·达尔·沃尔夫、彼得·斯塔克彼尔·布鲁维奇等等。

“达达派”摄影

“达达派”是第一次世界大战期间出现于欧洲的一种文艺思想。“达达”，原为法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的不连贯语汇。因为达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术和美学无缘，主张“弃绘画和所有审美要求”，崇尚虚无，使创作近乎戏谑，因而人们把该艺术流派称之为“达达派”。

在这种艺术思潮影响下，摄影艺术领域中也产生了“达达派”。著名摄影家哈尔斯曼创作过一幅蒙娜丽莎，她那双丰满的手在这里不仅变成了青筋暴突，汗毛丛生，而且还塞满了钞票。真可谓荒诞无稽，不伦不类。

达达派摄影艺术家的创作，大都是利用暗房技术进行剪辑加工，创造某种虚幻的景象来表达自己的意念。例如LM纳基的勒达和天鹅，把一个美丽的希腊神话故事，处理成某种晦涩怪诞、不可捉摸的图像与线条的组合。在画面中，可视形象已不再以其自身的意义存在，而只是某种意念的构成元素。还有人用翦辑的手段，使尼亚加拉大瀑布涌向纽约，制造了一个荒廖的世界末日的姜闵景象。

“达达派”摄影

由于达达派摄影艺术作品不符合人们一般的审美趣味和审美要求，1924年以后就逐渐受到有较明确、完整的艺术豆腐和纲领的超现实主义艺术流派的冲击。但其影响仍可在以后出现的现代派摄影艺术中窥见。

达达派的著名摄影家有菲利普哈尔斯曼、摩根、拉茨罗摩荷利纳基和利斯特基等。

主观主义摄影

主观主义摄影是一种在第二次世界大战后形成的比抽象派摄影更为“抽象”的摄影艺术流派，所以又称作“战后派”。它是存在主义哲学思潮在摄影艺术领域中的反映。其创始人是德国摄影家奥特·斯坦内特。

他认为，“摄影是本来具有发挥自己能力的宽阔领域，也具有高度的主观能动作用。但目前却成了一种机械的写实主义”。于是提出了“摄影艺术主观化的艺术主张。极力主张摄影艺术的终极应该是提示摄影家自身的某些朦胧意念和表现不可言传的内心状态和下意识活动。”

主观摄影就是人格化、个性化的摄影。这便是该流派的艺术纲领。主观摄影的艺术家们极度强调自己的创造个性，蔑视一切已有艺术法则和审美标准。该派理论家公开表示，“主观摄影不仅仅是一种试验性的图像艺术，而是一种自由的不受限制的创造性艺术。”“我们可以任意使用技术手段去创造照片。”

其特点是：（1）画面有“具象”和“抽象”两种不论何种造型形式，自我意念的表现是其最终目的。画面中的一切只不过是摄影家表现自我的“载体”而已。（2）充分利用镜头的透视特性，把被摄体从现实中“剥离”出来，“移”到画面上去，——即使用镜头的某些光学性能，把客观的物体加以改造，使之成为意念的“物化体”，从而在画面中组合成创造出自己的“世界”。而这世界往往是荒诞、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。（3）利用近摄手段清晰而又强烈地强化和突出表现物体的某一细部形态。（4）运用暗房技法，把被摄对象原有的丰富影调简化，将自然、平凡的关系转换成强烈的视觉关系。（5）利用曝光手段（如多次曝光、连续闪光），使被摄体从时间概念中分离出来，能动地把时间概念和空间位置加以调换。其著名的摄影家除奥特、斯坦内特以外，还有杰·施莫尔、肖·范欧坎、兰·佩恩、莫·弗克尔特等。

摄影术语

（1）单反

单反：就是指单镜头反光，即SLR—Single Lens Reflex。

在这种系统中，反光镜和棱镜的独到设计使得摄影者可以从取景器中直接观察到通过镜头的影像。单镜头反光照相机的构造图中可以看到，光线透过镜头到达反光镜后，折射到上面的对焦屏并结成影像，透过接目镜和五棱镜，我们可以在观景窗中看到外面的景物。拍摄时，当按下快门钮，反光镜便会往上弹起，软片前面的快门幕帘便同时打开，通过镜头的光线（影像）便投影到软片上使胶片感光，尔后反光镜便立即恢复原状，观景窗中再次可以看到影像。单镜头反光相机的这种构造，确定了它是完全透过镜头对焦拍摄的，它能使观景窗中所看到的影像和胶片上永远一样，它的取景范围和实际拍摄范围基本上一致，消除了旁轴平视取景照相机的视差现象，从学习摄影的角度来看，十分有利于直观地取景构图。单镜头反光相机还有一个很大的特点就是可以交换不同规格的镜头。

焦距的功能与作用：焦距长短与成像大小成正比，焦距越长，成像越大，焦距越短，成像越小；镜头焦距长短与视角大小成反比，焦距越长，景角越小，焦距越短，景角越大；焦距长短与景深成反比，焦距越长景深越小，焦距越短，景深越大；焦距长短与透视感的强弱成反比，焦距越长，透视感越弱，焦距越短，透视感越强；焦距长短与反差成反比，焦距越长反差越小，焦距越短反差越大。

（2）景深

摄影时向某景物调焦，在该景物的前后形成一个清晰区，这个清晰区称为全景深，简称景深。使用大光圈，景深小；使用小光圈，景深大；物距小，景深小；使用广角镜，景深大。

像深——景深前界和景深后界分别共轭的两个成像平面之间的距离。像深与景深相对应，像深越大，景深也就越大。

（3）明度

镜头明度的大小就是光通量的多少；口径大通光量多，明度就大，反之明度小；明度大小以光圈系数按倍数来计算；明度的大小是决定暴光的重要因数之一。

（4）场曲

在一个平坦的影象平面上，影象的清晰度从中央向外发生变化，聚焦形成弧型，就叫场曲。原因是中心离镜头近，周边离镜头远。一般拍照团体人像，安排成弧型，就是纠正这一缺点。

（5）二道火快门

第一步先按下空挡，快门钮的一半；第二次按到底，快门才开。它能防止手振和减少按快门的时差，并能避免误碰快门钮，造成浪费。没有二道火快门的相机，误碰以下快门钮，就浪费一张底片。

（6）反光板

锡箔反光太亮，可以用褶皱法使反光散射柔和；用白纸反光板也叫柔和；用白漆刷白的反光板，容易变黄失去反光效果。

（7）柔光板

在太阳与被摄物之间，用白薄塑料布，尼龙布等，可以是光线柔和，降低反差。

（8）反光伞

反光伞外观和普通伞一样。伞内面是银白色，反射能力强。使用时将伞安置在可以变换角度的云台上。用强光灯照射伞内，散射出的光线很柔和，阴影亦淡，是理想的光源。拍人像特写时，不受强光的刺激，最适合于拍摄人像和静物。

（9）装饰光

装饰光主要是打出眼神光，使用的是较小的灯。或者在其他光种达不到的地方，细部加强亮度，表现质感和轮廓。亦用这种灯光消除人物面部的缺陷，如使瘦削的面庞显得丰满些。

（10）白头

白头指的是一种摄影镜头。平时我们使用的大多是镀了膜的镜头，因为是增透膜，所以反光比较少，于是镜头看起来是淡紫色的。而我们现在说的是那种没有镀膜的镜头，所以反光比较多，看起来泛着白光，所以称为白头。

（11）感光度

感光度表示感光材料感光的快慢程度。感光度的单位用“度”或“定”来表示，如“ISO100/21”表示感光度为100度/21定的胶卷。感光度越高，胶片越灵敏（就是在同样的拍摄环境下正常拍摄同一张照片所需要的光线越少，其表现为能用更高的快门或更小的光圈）。200度的胶卷感光的灵敏度是100度胶卷的2倍，400度的胶卷的灵敏度是200度胶卷的2倍，其余以此类推。

（12）色温

各种不同的光所含的不同色素称为“色温”。色温的单位为“K”（开尔文）。我们通常所用的日光型彩色负片所能适应的色温为5400K～5600K；灯光型A型、B型所能适应的色温分别为3400K和3200K。所以，我们要根据拍摄对象、环境来选择不同类型的胶卷，否则就会出现偏色现象（除非用滤色镜校正色温）。

（13）曝光

光到达胶片表面使胶片感光的过程。需注意的是，我们说的曝光是指胶片感光，这是我们要得到照片所必需经过的一个过程。这和非专业人士所说的“曝光”大不相同，他们所说的“曝光”是指因相机漏光导致胶卷作废的意外事故。

（14）相对孔径

镜头有效通光口径（光束直径）与焦距的比值。相对孔径越大，镜头就越“快”。如1：2.8、1：3.5～4.5等。在变焦镜头中，一般把相对孔径固定的镜头称为专业镜头，把相对孔径不固定、但相对孔径在1：2.8～1：4之间的镜头称为准专业镜头，其余则称为普及型镜头。

（15）曝光组合

是指在同一拍摄环境中可以使用不同的光圈和快门的组合。比如，用测光表测得快门为1/30秒时，光圈应用5.6，这样，F5.6、1/30秒就是一个曝光组合。我们也可用F4和1/60秒的曝光组合代替（二者等效），也可用F2.8和1/125秒的曝光组合代替。也就是说，这几个组合是等效的。但我们特别要注意的是，虽然这几个曝光组合是等效的，也就是说曝光是准确的，但不同组合所获得的景深是不同的。

（16）快门速度

快门开启的时间。它是指光线扫过胶片的时间（曝光时间）。例如，“1/30”是指曝光时间为1/30秒，同样，“1/60”是指曝光时间为1/60秒，1/60秒的快门是1/30秒快门速度的两倍，其余以此类推。

（17）白平衡

白平衡英文名称为White Balance。物体颜色会因投射光线颜色产生改变，在不同光线的场合下拍摄出的照片会有不同的色温。例如以钨丝灯（电灯泡）照明的环境拍出的照片可能偏黄，一般来说，CCD没有办法像人眼一样会自动修正光线的改变。

远景

远景一般表现广阔空间或开阔场面的画面。如果以成年人为尺度，由于人在画面中所占面积很小，基本上呈现为一个点状体。

远景视野深远、宽阔，主要表现地理环境、自然风貌和开阔的场景和场面。远景画面还可分为大远景和远景两类。大远景主要用来表现辽阔、深远的背景和渺茫宏大的自然景观，像莽莽的群山、浩瀚的海洋、无垠的草原等。

远景

远景的画面构图一般不用前景，而注重通过深远的景物和开阔的视野将观众的视线引向远方，要注意调动多种手段来表现空间深度和立体效果。所以，远景拍摄尽量不用顺光，而选择侧光或侧逆光以形成画面层次，显示空气透视效果，并注意画面远处的景物线条透视和影调明暗，避免画面的平板一块，单调乏味。

全景

全景一般表现人物全身形象或某一具体场景全貌的画面。全景画面能够完整地表现人物的形体动作，可以通过对人物形体动作的表现来反映人物内心情感和心理状态，可以通过特定环境和特定场景表现特定人物，环境对人物有说明、解释、烘托、陪衬的作用。

全景画面还具有某种“定位”作用，即确定被摄对象在实际空间中方位的作用。例如拍摄一个小花园，加进一个所有景物均在画面中的全景镜头，可以使所有景色收于镜头之中，使它们之间的空间关系具体方位一目了然。

在拍摄全景时要注意各元素之间的调配关系，以防喧宾夺主。拍摄全景时，不仅要注意空间深度的表达和主体轮廓线条、形状的特征化反映，还应着重于环境的渲染和烘托。

中景

中景是主体大部分出现的画面，从人物来讲，中景是表现成年人膝盖以上部分或场景局部的画面，能使观众看清人物半身的形体动作和情绪交流。中景主要表现的是人物的半身动作，同时也是把环境等多种因素考虑进去，人与人之间的关系，表情的变化，是一般叙事和表演场面中比较常用的镜头。

中景的分切，破坏了该物体完整形态和力的分布，而其内部结构线则相对清晰起来成为画面结构的主要线条。

在拍摄中景时场面调度要富于变化，构图要新颖优美。拍摄时，必须要注意抓取具有本质特征的现象、表情和动作，使人物和镜头都富于变化。特别是拍摄物体时，更需要摄像人员把握住物体内部最富表现力的结构线，用画面表现出一个最能反映物体总体特征的局部。(www.zuozong.com)

近景

近景是表现成年人胸部以上部分或物体局部的画面，它的内容更加集中到主体，画面包含的空间范围极其有限，主体所处的环境空间几乎被排除出画面以外。

近景是表现人物面部神态和情绪、刻画人物性格的主要景别，用它可以充分表现人物或物体富有意义的局部。比如看一个杨丽萍的舞蹈时，人们的注意力自然会移到那柔软件的手臂上，用近景画面则将画框接近动作区域，非常突出地表现了手的动作。

利用近景可拉近被摄人物与观众之间的距离，容易产生交流感。如果您经常看新闻节目的话，各大电视台的电视新闻节目或纪录片的主播或节目主持多是以近景的景别样式出现在观众面前的。

在拍摄近景时，要充分注意到画面形象的真实、生动和客观、科学。构图时，应把主体安排在画面的结构中心，背景要力求简洁，避免庞杂无序的背景分散观众的视觉注意力。

特写

特写一般表现成年人肩部以上的头像或某些被摄对象细部的画面。通过特写，可以细致描写人的头部、眼睛、手部、身体上或服饰上的特殊标志、手持的特殊物件及细微的动作变化，以表现人物瞬间的表情、情绪，展现人物的生活背景和经历。

特写画面内容单一，可起到放大形象、强化内容、突出细节等作用，会给观众带来一种预期和探索用意的意味。

在拍摄特写画面时，构图力求饱满，对形象的处理宁大勿小，空间范围宁小勿空。另外，在拍摄时不要滥用特写，使用过于频繁或停留时间过长，导致观众反而降低了对特写形象的视觉和心理关注程度。

如要拍摄盛开桃花的桃树，当画面以全景推向中景，桃树的外形逐渐被“排挤”出画外，树木内部及树上盛开的桃花逐渐成为变化的结构主线。

特写是局部的刻画人物或事物的景别处理方法。运用这类镜头，能够准确地传达故事情节，直接地反映出剧中主人公的心理状态和情绪，同时，也能间接地影响观众的心理反应，特写不一定只是刻画人物表情的手、脚、道具等与剧情有关的物体，只要需要，都可以用特写来表现。

特写

这种镜头，主要是表现人物眼睛和头部的神态，应当注意的是通过人物表情、手势、动作来表现情绪，所以必要的画面提示一定要做，而且要做足，动作幅度的大小，包括其他辅助烘托气氛的水、雾、烟、云等动态趋势，否则带原画画出来后，就会留下很多遗憾。

摄影技巧十条

摄影是一门技术，同样也是经验的积累。下面是无数摄影师的经验汇聚而成的12条最经典、实用的摄影技巧Tips，将其熟记于心，将帮助你应对很多难以掌控的拍摄场景。

（1）阳光十六法则

阳光十六法则是在没有测光表时，正确估算日光下曝光数值的方法，所以这条法则只有在阳光充足的情况下适合使用。将光圈设为F/16，快门与ISO同步，或者略快。如，ISO设为100时，快门应该设为1/100秒（1/125秒）。所以，根据这个法则，在海滩上摄影时，应该使用F/22光圈，在多云时应使用F/11光圈。

（2）相机抖动法则

当你手持相机拍摄时，快门的速度不能小于镜头焦距的倒数。如果快门速度越慢，那么拍摄抖动时就越可能降低锐度。如果用50mm焦距的话，快门就要达到1/60秒以上为宜，只有当环境实在昏暗时，用闪光灯、脚架或者把相机放在硬物上防止抖动。

（3）灰板法则

随身携带18%的中灰度板是拍摄的利器。可是如果身上没有灰度板怎么办呢？可以将手掌摊开面向阳光，对手掌进行测光，然后加一档曝光。

（4）景深法则

当被摄无题比较深的时候，应该对焦点选择在景深的前1/3处，因为这样，对焦点后的景深是之前的2倍。各种光圈和焦段组合都可以使用这个法则。记住，光圈越小，焦距越短，距离被摄物体越远，景深就越大。

（5）曝光法则

在处理数码照片时，最普遍的法则是保证高光区曝光准确，低光区随他去。可是当处理负片，特别是彩色负片的时候，你最好增曝一档。

（6）快速闪光输出法则

当你的相机不能自动输出控制的闪光灯时，将闪光灯的感光度设为胶卷的二被。如果对主体测光，机身选择光圈整档，闪光灯设为同样的光圈。这样，照片的阴影区会比主体的亮度低一档。

（7）闪光距离法则

这个法则很简单：距离乘以2，感光度乘以4。例如，你的闪光灯在ISO 100时，有效距离为20英尺。如果你想使闪光灯的距离达到40英尺时，则需要ISO 400。

（8）像素翻倍法则

如果你想使数码相机的分辨率增倍，那么很简单，就是要像素翻两番。

（9）捕捉动态法则

这条法则是根据角度与速度的经验公式而来的。如果物体沿着镜头的轴线运动你能够用1/125的快门捕捉下，那么它追至于镜头轴线的运动能用1/500捕捉下来。也就是说，如果物体沿镜头轴线称45度运动，只需要1/250的快门速度。

（10）日落法则

拍摄落日时，要对落日上部测光，但是不能让太阳出现在你的取景器中。如果想让日落看上去比实际晚一小时，可以在曝光补偿中减1。

人像摄影

户外人像是广大影友最为喜爱的拍摄内容之一，但要想拍出既赏心悦目，又体现一定内涵的户外人像，也并非易事。只有当你在举机之前，就明明白白想要得到什么，并把握安排主体的艺术，成功方能到来。为此，特与影友交流以下10点心得。

（1）器材选择

相机：AF或MF35mm单反相机；300万像素以上的数码相机（120mm中画幅单反相机、数码单反相机及有数码后背的中画幅相机，有着画幅大、像素高、能保证图像品质的优越性，只是价位高，是经济条件较好的影友的选择）。

镜头：人像的形象展示，很大程度上取决于你拍摄时所选用的镜头。原则上讲，什么镜头都可以拍人像，对35mm单反相机来说，有时为了取得戏剧性的画面，甚至使用20mm、17mm超广角乃至鱼眼镜头，而200mm、300mm长焦镜头，有着虚化背景、简洁画面的特别功能，常能在这方面发挥优势。大多数人像标准镜头最为适宜；拍摄带肩部的头像，100mm左右镜头最为理想，135mm以上镜头拍头像特写，得心应手。

影像存储媒介：传统相机用ISO100以下胶片或人像专用正、负片。数码相机用各自匹配的存储媒介。

（2）采光

摄影是光与影的艺术，采光自然占有重要位置，是拍摄时需要考虑的第一个问题。阳光直接照射时光质太硬，会带来讨厌的阴影。

以下用光方式可供考虑：

第一，散射光。

薄云遮阳。薄云遮阳能产生室内漫反射光一样效果的照明，不管被摄者面向何方，照度总是平衡的。这是最为理想的光源之一。拍照时用反光板补光，有助于强化造型的立体感和塑造人物的眼神光。

阴天。类似于薄云遮阳，但此时光质稍差，选择拍摄地点是关键，应以宽阔明亮的场景为佳。

处理后的明亮日光。处理方法之一是将拍摄地点选择在带顶的阴凉处，让光线自然过滤，如门廊或树下，光线会变得较柔和，但因受太阳反射光照射，仍然保证较好照度。二是在阴影中拍摄，如一座建筑或一堵墙投下的阴影，但应注意，回避强烈顶光的物体所投射的阴影。相机后面应是广阔天空或有相当亮度的照明为好，背景应紧密，没有空隙，这样将不会产生分散主题的光斑。

第二，一般来说，要拍出特别吸引人的肖像照，光线应来自后面或被摄者的一侧（注意用遮光罩避免光线直接射入镜头，还要避免遮光罩下沿或别的平面将光线反射到镜头中）。因此，太阳升高前，下午稍晚，是拍摄户外人像的最好时间，这时太阳低照，你能拍摄场面富丽的逆光像，并且被摄者前广阔的天空给阴影提供了天然辅助光，不必担心来自顶部或其他方位光线的干扰。

第三，应回避强烈的日光和难以驾驭的正午阳光（俗称顶光）。特别是正午阳光使人物下眼睑处形成一团黑影。

解决途径：一，想办法避免阳光直照脸部，否则被摄者会睁不开眼睛或皱眉头。二，可以利用反光板来克服阴影造成的不利因素，用挡板遮住阳光，使阳光不在脸部形成阴影，用一张白色或浅色的纸也可以。三，实施闪光灯补光。在明亮阳光下、在光影落入被影者面部时，就可以采用闪光灯闪光辅助补光的方法，以消除脸部阴影。

在不利的照明环境中，有时也可以巧妙利用环境或人物动态造型，达到出奇制胜的效果。如当代美国摄影大师赫伯·瑞茨所拍美国著名歌星麦当娜昂头的霎那间，讨厌的顶光变成了精彩的侧面光。

（3）服饰与背景

以白色为主的环境，拍摄婚纱高调画面较为理想。穿上一套红色的亮丽服装，会立刻吸引你的目光，形成一个有刺激性的视点。如果你着眼表现色彩，衣着与环境千万不能打架，补色可能是最佳的选择。譬如环境以蓝色为主调，黄色、红色或绿色着装也许很适合。

人像背景并非要别致高雅的楼堂馆所或豪华住宅，如与便装、运动服、牛仔服配套，背景一棵树、一丛灌木、一堵石墙就可以。背景选择应遵循一个基本原则——简洁。

还要提醒注意的是，不要让背景抢“镜头”。背景是鲜花，一定不能让它与人像“媲美”。背景不能太杂乱、刺眼。

户外人像选择空间极大，可以运用不同的景观做背景产生风格迥异的影调形象，明亮的天空作背景，可轻易构成高调；门前拍片其室内外的光比极易拍成低调；粗犷自然的一组树叶前也可拍出虚幻迷你的衬景。可以利用水面反光产生亮背景，形成高调人像；有时顶侧光之类不理想光线，也能造就几分生动。

（4）曝光控制

正确曝光是一幅好图像的技术关键，虽然大多数相机均有测光、自动曝光系统，但独立式手持测光表，却更有利于测量千变万化的户外光源。譬如逆光照，根据光线比较暗的阴影部分确定曝光值，通过适当增加曝光量（提高1/2EV至2EV），能较好地表现人物皮肤的质感，增添艺术魅力。当然，一般情况下单反机的机内测光系统完全能担当此任，但在某些情况下需避免误测，如大面积亮或暗背景，穿全黑、全白服饰时，可以实施正、负补光或对人物面部局部测光、点测光解决。

（5）构图

关于构图可以说出许多规则，而最佳的规则，则在于突破这些规则以获取有创意的人像照。常规上，不要把人物置于画面中央位置（往往使画面呆板，缺乏感染力）。相对较好的构图是把主体人物稍稍偏于上下或左右一侧，可增加画面的空间深度。最理想的构图比例，则在竖、横画面三等分的“井”字线上。这种微妙的画面平衡，能较好地发挥主体人物在画面上的组织作用，产生极好的视觉效果，使主体更加鲜明突出。拍人物特写，则让拍摄对象的眼睛处在画面上部的三分之一位置。忌眼部在画面中间，只要眼睛位置“正确”，不要怕切掉部分头发什么的。当然这些是一般规律。你尽可以创造条件，发挥你的才智去突破它。

（6）拍摄角度

所谓拍摄角度，即照相机镜头对向被摄人物的角度。通常采取与人眼同一水平线，即平视拍摄的方法。相机位置不宜过高，否则人物头大腿短。最好让相机与肩持平，头像特写则应让相机与眼持平，忌低于鼻子、下巴。

有时为求得特殊效果而进行仰视拍摄，此时宜用广角镜头。广角镜头从上向下俯拍，往往给人头重脚轻的感觉（追求漫画效果例外），不宜采用。近拍特写有时用俯拍，求得特别的视觉冲击力。

总之，拍摄角度的选取和其他规则一样没有固定的模式，要根据实际情况、表达内容、构图需要等灵活把握。

（7）夜晚户外人像

夜晚拍人像只有闪光灯为主要光源照明。一般采用机位闪光（热靴插座）和离机闪光，有前后帘同步闪光功能的相机可方便地拍摄夜晚环境下的户外人像。要让人物与环境都有图像都清楚，测光应以环境的曝光值为基础（调整好光圈与快门速度的组合）。还可以利用有同步感应闪光功能的闪光灯实施二灯或二灯以上的闪光照明。

（8）沟通交流

这是获取好画面的要点。户外人像的宽松环境，给这一要素提供了良好基础。但要想把人物的感情和神态充分表现在画面上，关键点在于拍摄者与拍摄对象在轻松愉快的气氛中交流、沟通，尽可能充分地调动拍摄对象的激情与真情。愉快心情与自然表情统一，忧郁心态与沉浮人生相协调，方能拍出富于个性和感染力的户外人像力作。

（9）一个小规则

让拍摄者有一个注视点，可以是相机镜头，可以是你举起的拳头，忌目光茫然。

风景摄影

自然风景摄影没有必要始终考虑忠实于原景的摄影问题。莫不如考虑如何取景构图。摄影者自己的意图想象是什么，其主体性要明确。摄影时就可以想象出洗印结果的人才能有高水平的作品。

自然风景的表现千变万化。四季不同的阳光、气候、气象条件引起的日时变化及自然光的绮丽色彩等都可导演出各式各样的自然风景。对自然风景中静的世界、动的世界、严峻、刚毅状态的表现，因摄影者感受不同而不同。在自然风景摄影中，摄影者的感性非常重要。它与作品的个性紧密相关。

风景摄影

自然风景在不时地变化，仅在日出至日落间注意观察，就可看到升腾于大地之雾、空中之闪电、鲜花之盛开与凋谢。这些微妙的变化就是自然美的魅力，追求者的目标。认为自然风景为静止的摄影者，首先要抛弃这种观念，再致力于风景摄影。春天，植物萌发新绿，使人感受到清新的气息；夏天，阳光闪耀璀璨，充满生气；秋天，满山遍野如披上锦衣一般，但不知为何使人感到寂寞；冬天，大地上的一切仿佛不知人间污秽，如同身着洁白衣装的天使，但狂暴的自然奇观也使人发出感叹。对这样的自然界摄影，首先也要培养自己的眼睛，做到在自己身边也能发现大自然。

进行自然风景摄影时，作为在春夏秋冬四季变换中生活的人，对自然如何认识这种各自不同的自我感受是摄影的源泉。

目前的照相机，在曝光、对焦方面有很大的进步。可以说，任何人使用它都可拍出合适的照片。但要拍出符合摄影目的的理想照片，一定要认真地观察自然。太阳从升起至落下的移动改变着光和影的微妙关系。根据摄影的目的，阴天也是再好不过的表现舞台。阴天的光均匀扩散，对被摄体四周的照明均匀，可拍摄晴天高反差条件下难于表现的被摄体。

因此，阴天在表现手法上也是一种摄影时机。特别是对大森林、植物、花草进行摄影时，要求使背景模糊，达到简化效果等，阴天较晴天好得多。所以说，相对天气状况来选择被摄体是很重要的。

一般认为，拍摄风景照片的最好条件是早晨和傍晚。因该时的光线为低斜光，其光影使被摄体表现出很强的立体感。

使用彩色胶片摄影时，受色温影响，画面带红色调。其中的颜色多种多样，有黄色、橙色、金色、粉色等，每天如此。总之，日出和日落导演着早晚状态不同的自然舞台。

在小雨天摄影时，要注意保护照相机。带有雨水的树叶也有特别的反射。此时，可拍出很多不可想象的作品。秋天的红叶和自然光的反射融合形成的丰富色彩令人赞不绝口。

雾景可创作出情感丰富的作品。作为摄影者不仅要拍摄照片，而且要将观赏者引入玄妙的世界。利用树木和雾景构图，以适当小景深省略远景效果产生的雾情世界是深受人们喜爱的主题。

在北国的北海道，拍摄因冬季温差产生雾后所形成的树挂时，实际环境极为寒冷严峻，但具有梦幻与罗曼谛克世界的壮丽景色。

拍摄雪景，利用早晚的逆光摄影时，曝光较顺光摄影难度大，所以自动曝光照相机需要有曝光补偿。但由于各种摄影状态不同，曝光补偿也不同。因此要积累经验，自己总结曝光数据。在逆光摄影时，还需要避免产生晕光现象。除使用遮光罩外，最好在观查取景器中景物的同时，也利用手进行遮光。

自然风景的变化速度早晚很快。要不错过一瞬间的摄影时机，了解任何条件下的自然现象，达到自然地观察自然界是非常重要的。

婚庆摄影

结婚是一个人一辈子的终身大事，结婚典礼总是一个隆重而富有纪念的活动，如果用数码摄像机拍下其整个过程，不仅能给新娘送上一份珍贵的杰作，而且还能使整个典礼变得更加隆重有趣。

（1）拍摄注意事项

第一，是拟定计划。婚礼录像是属于纪实性很强的录像片，一般不作“创作和虚构”。为了把录像片拍得新颖生动、活泼热烈，也可进行大胆、巧妙的构思，如通过角度的选择、各种镜头的综合运用以及对精彩细节的详细刻划等手段，烘托喜庆热烈的场面，记录下美好难忘的婚礼全过程。在拍摄前事先拟好拍摄计划，并了解家人对摄像的要求，认识新人双方的家属，以防漏拍，造成遗憾。

第二，是观察环境。摄影前要先注意周遭的状况，这样在拍摄时就可以考虑哪些镜头可以选择，哪些场面可以用什么景色。另外，拍摄时可千万不要大意。时刻不可忘记周遭或是身后的状况，不要脚踩空或来往车辆造成不必要的伤害。

第三，是兼顾剪辑。拍摄只是一场计划周密的战役当中的一个组成部分，要从技术与艺术上掌握镜头摄制与剪接的基本规律。当我们用摄像机记录眼前的景物时，每一个机位的选择，每一次“推、拉、摇、移”的运作，都要考虑到后期制作时的编辑可能性，这样才能制定出切实有效的拍摄方案来。

第四，是捕捉高潮。在婚礼之类的场合下，火爆热闹的高潮场面却是不可或缺的影像元素，当我们拍摄一场盛大的典礼时，对戏剧性场面的出现要有敏感的预见性和迅猛的捕获能力，要悉心观察每一位心潮澎湃的人，突出每一个姿态张扬的动作，记录每一句饱含深情的话语，将情绪贯注于镜头里，浓墨重彩地呈现一场人生的盛宴。

（2）婚礼摄像的前期准备

婚礼摄像的前期准备.当老一辈的还在翻着发黄的老照片，回味着过去美好的时光时，我们这些年青的新新人类都已在充分地享受着数码时代带来的快乐！

器材选择：

首先，是看体积。要能显气派，最好能选择那些大个儿的摄像机，虽然体积大、机身重的摄像机便携性较差，而且长时间拍摄也比较累，但是它的稳定性好，看起来显得专业一点，会让您的朋友或客户看起来很有面子。

其次，是看质量。摄像机的质量是重中之重，而不是看你的机器是模拟的还是数码的，也不是看你的机子有什么花样功能。在婚礼摄像中不出现任何问题是做好婚礼摄像的首要条件，拍摄电视剧导演可以随时停止拍摄，也可重复拍摄一个镜头，直至成功为止。而婚礼摄像就不同了，一个好的重要的镜头在这种场合只会出现一次，你把握不好就会错失良机。建议使用3CCD的摄像机，它能够确保达到高解像度及色彩重现效果，色彩还原更准确，细节更极致，更忠实于自然的颜色。

再次，是看适应性。因为婚礼拍摄一会儿要拍摄室外景色，一会又要拍摄室内场面，一会光线强，一会光线弱，这样摄像性的适应性就显得非常重要了。目前好的数码摄像机的最低照明度可以达到2 lux。

最后，是看防抖。在进行婚礼拍摄时，因为很多场面不能用三脚架，且有时需要在行进的过程中拍摄，防抖功能好的摄像机可以减轻画面的动荡。您最好选择具有光学防抖系统的摄像器，这样的摄像机它的CCD像素要把全部得到利用，确保数码摄像机的高画质，摇镜和变焦时也自然平稳。

（3）动感镜头的拍摄

第一，移摄花车。为了表现强烈的喜庆色彩，您可以对花车运用。“弧形移动”的移摄方法进行拍摄。就是把摄像者手握摄像机，对着花车，然后围绕花车以圆形或弧形方向移动，而不是直线移动。这样拍摄出来的镜头极富临场感，更能让人真正感觉到画面在动，其效果比较自然。在拍摄时要注意步伐的移动，如果你想向右边侧步行走，首先要两腿微曲，再把左脚移到右脚前，让右膝的前端碰到左膝的背部，当左脚碰到地面时，把身体的重心慢慢移转到左脚上，然后把右脚向后绕过左脚站稳……依次重复以上的动作，就会完成整个拍摄过程，这样可以避免走路时带来的震动，使机器的移动达到滑行的效果。弧摄的弧度不宜过大或过小，且在整个片段中，花车都应该维持在画面中央。在进行移动拍摄时应力求画面平稳，而平稳的重要一点在于保持画面的水平。无论镜头运动速度快或慢，角度方向如何变化，如非特殊的表现，地平线应基本处于水平状态。当然，无论如何变化，您要保持拍摄一直都在拍摄范围内，且随时调整焦点以保证被摄主体始终在景深范围之中。

第二，跟摄新人。在摄像时需要运用一些跟摄镜头，这样可以真实地记录新娘的一些行动情况及事件发生的经过，能给人一种真实感。在进行跟摄拍摄时可以采用前跟、后跟、侧跟这三种方式。前跟是从被摄主体的正面拍摄，也就是摄像师倒退拍摄，背跟和侧跟是摄像师在人物背后或旁侧跟随拍摄的方式。跟摄时要用画框始终“套”住运动中的主体，使观众与被摄对象之间的视点相对稳定，形成一种对动态人物或物体的静态表现方式，使动体的运动连贯而清晰。利用跟摄方法进行摄像，要尽量使用数码摄像机的自动功能，如光圈调节、快门速度调整、自动调整白平衡以及自动对焦等等，以拍摄出清晰的画面。在跟摄时跟上、追准被摄对象是跟镜头拍摄的基本要求。不管画面中人物运动如何上下起伏、跳跃变化，跟镜头画面应基本上是或平行、或垂直的直线性运动。另外，跟镜头是通过机位运动完成的一种拍摄方式，镜头运动起来所带来的一系列拍摄上的问题，如焦点的变化、拍摄角度的变化、光线入射角的变化，也是跟镜头拍摄时应考虑和注意到的问题。

新闻摄影——抓拍技巧

新闻摄影的决定性瞬间，是照片成败的关键，这一瞬间的获得非常难。从表面看。“喀嚓”一下，好似很简单、很潇洒，实际上是作者全部学问、功夫、修养、经验的一次总结。早一点或晚一点按动快门都意味着永远丧失了最关键的那个瞬间。

什么叫好摄影记者？好与不好是相对而言的。别人没看见的，你能看见；别人没发现的，你能发现；别人发现了但没有抓住的，你能抓住；别人做不出来的照片，你能做出来。自己梦想成为一个一流的摄影家与真正在实践里成为一个一流的摄影家，这个过程需要付出艰辛的努力。

布勒松为什么被称为“抓拍大师”，是因为他不管在什么时候、什么地点，总能“抓”出几张绝活儿来。

具体讲：

（1）要特别注意抓动作。在形象艺术里，摄影是最不怕动的艺术。没动作的题材，照出来经常是死板的，没有生命力的。而拍摄对象动得越历害，照片就有可能越生动、越活泼、越自然、越真实。加拿大的卡什说，他并不在乎人物是老是小，好看不好看，关键要跳出外形美的束缚，表现出人物内在的精神气质，而人物性格的展露往往蕴藏在动作之中。

（2）注意抓住高潮。高潮是某一个事态、某一个动作过程中最饱满，表现力最强的高峰时刻。经验告诉我们，抓取高潮要掌握好按快门的提前量，也就是说在真正高潮出现之前就要按下快门。正如一位摄影家所说：如果你在取景框里已经看见了这个事物的高潮，这就意味着你已经永远失去了这个高潮。这是因为从按下快门到相机快门打开的过程中有一个“时滞”现象。

（3）抓神态。有的拍摄对象没有动作，那么可以注意他的神态。人物的表情神态往往是内心情感的表露，有些神态往往无法用语言文字表达。

（4）抓细节。细节能使作品更加真实可信；细节能够增加照片的趣味性；没有细节往往会导致照片平淡乏味；细节可以进一步深化主题。美国FSA摄影群体的领导人曾说：“你们要注意抓住那些有意义的细节，抓住那些使千百年后的学者们认为值得加以研究的问题。”

（5）抓特点。一个人物、一个地方，都具有各自的独特性。反映事物独特的地方，能使照片的表现力增强。

（6）抓悬念。英国的悬念大师希区柯克有一句名言：“悬念是吸引观众注意力的最有力的手段”。许多成功的作品里都有悬念，因为它们最能引起读者的注意，关注将要发生的事情。

（7）抓特写。特写是特别细腻的描写。由于繁杂、快节奏的生活，人们很难站下脚来仔细观察一个事物，所以如果把取景的范围推向极端，近到无法再近，少到无法再少，画面精练至极，就会得到强烈的视觉感染力，特写的表现力不可忽视。

（8）抓矛盾。有矛盾就有问题，有问题，就能引人注目、耐人寻味。矛盾也是一种对比，艺术创作如果不能有意识地运用对比，那么艺术表现力就会大打折扣。对比可以产生视觉冲击力。对比可以引起人们的思考，拓展作品的深度和广度。对比的因素越丰富多样，照片的味道就越浓厚。

（9）抓极端。许多摄影者不善于把握事物的极端发展和变化，极端化的表现会使作品更加强烈、刺激。

（10）抓本质。事物的本质经常隐藏在纷纭复杂的外表之下，这就要求摄影要培养特别敏锐的感觉、特别深刻的眼光，对生活有自己独特的感悟，才能揭示事物的本质。“在人人看得见的地方，看出人们看不见的东西”，“在平凡的地方拍出不平凡的照片”，“把没有意义的事物拍得有意义”。

我们在进行拍摄的时候，应该记住：摄影，并不仅仅是看见，更重要的是要有所发现。

普利策新闻摄影奖

普利策奖由美国著名记者约瑟夫·普利策创立，主要分为新闻奖和文化艺术奖。普利策生前立下遗嘱，将财产捐赠给哥伦比亚大学，设立普利策奖，奖励新闻界、文学界、音乐界的卓越人士，该奖自1917年以来每年颁发一次。

普利策的遗嘱中规定普利策奖包括4项新闻奖、4项文学艺术奖、1项教育奖和4项学术奖。但普利策奖的影响越来越大，目前，普利策奖中包括14项新闻奖和7项文学艺术奖。

86年来，普利策奖象征了美国最负责任的写作和最优美的文字。特别是新闻奖，更是美国新闻界的最高荣誉。每一个希望有所作为的美国记者无不以获得普利策新闻奖作为奋斗的目标。

普利策奖的评委由有成就的名记者组成。当年的优胜者由评委审查、挑选，但评选结果需经哥伦比亚大学顾问委员会通过，并由哥伦比亚大学校长宣布。

普利策

首届普利策摄影奖是1942年颁发的。此后，除1946年外，每年颁发一次。从1968年开始，摄影类增设了专题新闻摄影奖，获奖作品通常由一组照片组成。

美国普利策奖的奖金为7500美元，但获得公众服务贡献奖的报道不得奖金，获奖的报社将得到一枚普利策金牌。

19世纪后期，约瑟夫·普利策作为美国新闻界的典范脱颖而出。他出生于匈牙利，具有坚强不屈的性格。是最有能耐的报纸出版商；还是个反对不诚实政府的热情洋溢的斗士；一个勇猛如鹰的竞争对手；在发行领域的竞争中，决不放弃制造轰动新闻的手法；他同时还是个具有远见卓识的人，这极大地丰富了他从事的职业的内涵。他在《纽约世界报》和《圣路易斯邮报》的创新精神重塑了报纸媒体的面貌。普利策是第一个号召在大学里设立新闻学院培养记者的人。当然，普利策奖对新闻学、文学、音乐和戏剧的持久影响力，也应归功于他富有预见的敏锐。

普利策于1847年4月10日出生在匈牙利的马科。他是一个出身于犹太人的富有粮食商人和笃信罗马天主教的德国母亲的儿子。老普利策在布达佩斯退休。约瑟夫在该地私立学校和私人教师的教育下长大成人。17岁的普利策桀骜不驯，这个身高两米的瘦长年轻人决定参军，试图分别应征加入奥地利陆军、拿破仑驻扎在墨西哥的外国军团，和驻扎在印度的英国陆军，结果却因视力不佳和身体虚弱而遭到拒绝。这种状况一直困扰了他的一生。然而他在德国的汉堡却遇到了一位为了得到赏金而为美国联邦政府陆军征兵的人，并被招募为一个应征入伍者的替补，这在内战时期征兵制度所允许的。他在波士顿开了小差，据说他游到了岸边，决心要把入伍的赏金归自己所有，而不是留给那个代理人。普利策取到赏金，在林肯骑兵队干了一年，这对他很合适，因为在这个部队里有许多德国人。他讲一口流利的德语和法语，却不太懂英语。后来他一路打工来到了圣路易斯，在干一些诸如赶骡子、行李员、侍者等零工的同时，他一头扎进圣路易斯的商业图书馆，学习英语和法律。他事业的最大转机很独特地发生在图书馆的棋艺室里。在观看两位常客弈棋的时候，他对一步棋的精辟论断使弈棋者大为震惊，并和他聊了起来。这两位弈者是一家德语大报《西方邮报》的编辑，他们给了他一份工作。4年之后的1872年，被称誉为一个不知疲倦、有前途的记者，年轻的普利策自濒于倒闭的报社老板获得报社控股权。25岁时，普利策成为一个出版商，此后一系列精明的商务决策，使他在1878年时成为《圣路易斯邮报》的老板，以一个前途辉煌的人物出现在新闻界。

世界新闻摄影比赛

世界新闻摄影比赛（WPP），1955年发起于荷兰，故又称荷赛，被认为是国际专业新闻摄影比赛中最具权威性的赛事。

四十年来，世界新闻摄影的规模不断扩大，到现在，每年都有数十个国家近万幅作品参赛，比赛项目发展到9类18项是世界上参与范围最广，最具代表性和权威性的新闻摄影大赛。它的作品成为人类所处的时代和历史的见证。

“荷赛奖”分突发新闻、一般新闻、新闻人物、体育动作、体育专题、当代热点、日常生活、肖像、艺术、自然共10类，每类还分单幅和组照两项，组照最多不超过12幅。每项各评出一、二、三等奖，大赛从所有参赛作品10类20项中评出年度最佳新闻照片一张。并由儿童评委会从当年部分获奖图片中选一张为“儿童奖”。