舞蹈艺术小百科：古典舞的典范意义与美学理论

古典舞

古典舞是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工、创造，并经过较长时期艺术实践的检验，流传下来的被认为是具有一定典范意义的和古典风格特点的舞蹈。一般来说，古典舞都具有严谨的程式、规范性的动作和比较高超的技巧。世界上许多国家和民族都有各具独特风格的古典舞蹈。

（1）古典舞的由来

原始舞蹈本是芭蕾舞，后经“加工”出现了现代舞，芭蕾舞与现代舞唯一的区别就是：芭蕾舞以拉长、向上感觉为主，而现代舞恰恰相反，它以夸张地球吸引力、重心向下为主；而后又经“加工”转变出古典舞，古典舞的感觉与芭蕾舞的感觉相似，都是以拉长向上为主，唯一不同的就是：芭蕾舞有些生硬，而古典舞倡导柔软。

中国古典舞

（2）古典舞的艺术特色

我国汉族的古典舞，流传下来的舞蹈动作，大多保存在戏曲舞蹈中；一些舞蹈姿态和造型，保存在我国极为丰富的石窟壁画、雕塑、画像石、画像砖、陶俑，以及各种出土文物上的绘画、纹饰舞蹈形象的造型中；我国丰富的文史资料也有大量的对过去舞蹈形象的具体描述。我国舞蹈家从20世纪50年代开始进行的对中国古典舞的研究、整理、复现和发展的工作，取得了很大的成绩，建立了一套中国古典舞教材，创作出一大批具有中国古典舞蹈风格的舞蹈和舞剧作品，形成了细腻圆润、刚柔相济、情景交融、技艺结合，以及精、气、神和手、眼、身、法、步完美谐合与高度统一的美学特色。

（3）印度古典舞

印度的古典舞，由婆罗多、卡塔克、卡达卡利、曼尼普利、奥迪西和库契普迪六大传统舞系组成。其主要艺术特征是舞蹈动作节奏、韵律鲜明，造型性强，具有丰富内涵的多姿多彩的舞蹈哑语手式和细腻的面部表情。

（4）欧洲古典舞

欧洲的古典舞蹈，一般都泛指为芭蕾舞。芭蕾，系法语Ballet的音译。欧洲各国的古典舞剧统称为芭蕾，是一种以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、戏剧、舞台美术等艺术形式的舞蹈品种。由于其表演技术上一个重要特征是女演员要穿特制的足尖舞鞋并用足尖立地跳舞，所以俗称“足尖舞”。

（5）中国古典舞

中国古典舞作为我国舞蹈艺术中的一个类别，是在民族民间传统舞蹈的基础上，经过历代专业工作者提炼、整理、加工、创造，并经过较长时期艺术实践的检验流传下来的具有一定典范意义的和古典风格特色的舞蹈。古典舞创立于50年代，曾一度被一些人称作“戏曲舞蹈”“形、神、劲、律”作为身韵基本动作要素，高度概括了身韵的全部内涵。

形，即外在动作，包含姿态及其动作连接的运动线路。神，即神韵、心意，是起主导支配作用的部分。劲，就是力，包含着轻重、缓急、强弱、长短、刚柔等关系的艺术处理。律，也就是动作本身的运动规律。这四大动作要素的关系，是经过劲与律达到形神兼备，内外统一。其规律是“心与意合、意与气合、气与力合、力与形合”。这都是精辟的概括与提炼。而这些文字又与元素性动作高度统一、谐调，构成了具有中国特色的舞蹈美学理论。

民间舞

民间舞，是由劳动人民在长期历史进程中集体创造，不断积累、发展而形成的，并在广大群众中广泛流传的一种舞蹈形式。民间舞蹈和人民的生活有着最密切的联系，它直接反映着劳动人民的生活和斗争，表现着他们的思想感情、理想和愿望。由于各民族、各地区人民的生活劳动方式、历史文化心态、风俗习惯，以及自然环境的差异，因而形成了不同的民族风格和地区特色。

世界上各个国家、各个民族都有各自不同风格特色的民间舞蹈。在欧洲芭蕾舞剧中的民间舞蹈，一般称作代表性舞蹈或性格舞蹈，它是经过舞蹈的专业加工，使其与芭蕾的风格相和谐、统一在一起。

我国历史悠久、民族众多、幅员辽阔，因此民间舞蹈特别丰富多彩。其主要的艺术特点是：

（1）载歌载舞，自由活泼。我国民间舞蹈很主要的一个特点，就是舞蹈与歌唱的紧密结合。这种载歌载舞的形式，自由、生动、活泼，可以比纯舞蹈易于表现更多的生活内容，而且通俗易懂，所以非常为我国广大人民群众所喜爱。

民间舞

（2）巧用道具，技艺结合。我国的很多民间舞蹈都巧妙地使用道具，如扇子、手帕、长绸、手鼓、单鼓、花棍、花灯、花伞等等，这就大大地加强了舞蹈的艺术表现能力，使得舞蹈动作更加丰富优美、绚丽多姿。

（3）情节生动，形象鲜明。我国的民间舞蹈很着重于内容，大多都有一定的故事传说为依据，因此，人物形象鲜明、人物性格突出。虽然有的舞蹈仅是表现某一种情绪，但它也多是作为一个完整的故事情节的片断而出现的。如广东的《英歌》是表现梁山泊英雄好汉攻打大名府的故事；福建的《大鼓凉伞》传说是表现郑成功抵御外寇练兵的活动。

（4）自娱娱人，意旨统一。我国很多民间舞蹈常常是自娱性和表演性的统一。有些舞蹈活动，对于舞者来说，他是自娱，同时也是为了表演给观众看，因此舞者很注意自己舞蹈技艺的提高，故而我国的民间舞蹈得到了较高程度的发展。

（5）情之所至，即兴发挥。我国各个地区的民间舞蹈在流传中，虽然都有一定的格式和规范，但也都有即兴发挥的传统，特别是在一些民间舞蹈家的身上这一点尤为突出。在他们情感最激动的时刻，常常是能出现闪烁着独特光彩的舞蹈的时候。

20世纪50年代以来，我国的舞蹈工作者对各民族的民间舞蹈进行了广泛的普查、深入的学习、认真的整理、慎重的加工和创造性的改编，从而产生了一大批优秀的民间舞蹈节目，如《红绸舞》、《鄂尔多斯舞》、《花鼓舞》、《草笠舞》、《孔雀舞》、《摘葡萄》等，不仅为我国广大观众所欢迎，而且以其独特的风采受到世界各国人民的喜爱和赞赏。

现代舞

现代舞是19世纪末和20世纪初在欧美兴起的一种舞蹈流派。现代舞主要美学观点是反对古典芭蕾舞的因循守旧、脱离现实生活和单纯追求技巧的形式主义倾向，主张摆脱古典芭蕾舞于到僵化的动作程式的束缚，以合乎自然运动法则的舞蹈动作，自由地抒发人的真实情感，强调舞蹈艺术要反映现代社会生活。

创造了一种被称为自然法则的训练方法，把人体动作的构成归纳为“砍、压、冲、扭、滑动、闪烁、点打、飘浮”等八大要素，认为正确处理各要素之间的关系，就能组成各种动作。

现代舞是一种走向，标榜着思维的自由，打破了文明的规定和限制，无所顾忌地生产着奇迹，现代舞是一种观念，它的前提是思想，它的境界是哲理，它的道具是肢体，它的载体则是灵动；现代舞是一种潮流，不停地断裂、变化、毁灭，又不停地修补、缝合、再生；现代舞是相对论，是永动的而非永恒的，它善于破坏，而不喜欢建设；它是一个过程，从这一点到那一点，不论中间多么曲折漫长，现代舞就是这两点间的那条线；不论它多么乖张古怪，放荡不羁，然而都是理性的，如果你认为它是感性的，你就错了，没有观念和理性，它就一无所有、一无是处。

现代舞是国际通行语言，它的起点叫大同世界，而它的归宿却又无迹可寻，所以现代舞没有民族性，只有世界性，抽象、本性、规律、玄妙是它的主题，理念、个性是它的价值取向。

现代舞是一种舞蹈，你坐在它面前，你以为它是什么，它就是什么，你理解了什么，它就是什么，这也许就是现代舞……

独舞

独舞，又叫单人舞，系由一个人表演的完成一个主题的舞蹈。多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。大多是表现一个完整的思想感情的片断，或是体现了一定的生活内容、创造了一种比较鲜明的意境。

独舞大致可分为两类：一类为结构完整的独立的舞蹈作品；另一类为舞剧和大型舞蹈中的重要组成部分，是刻画人物的主要手段。舞剧中的独舞，类似歌剧中的咏叹调或话剧中的内心独白。

独舞演员要求有良好的身体素质、扎实的基本功，有较高的表演技巧和较强的刻画人物的能力。通常由具有较高艺术表现力的演员担任。

（1）结构完整、自成篇章的舞蹈作品，如中国舞蹈《饥火》、《敦煌彩塑》、《海浪》和古典芭蕾《天鹅之死》，现代舞《马赛曲》、印度民间舞《拍球舞》等。它们具有独立的主题、内容及意境，短小精巧、形象生动，具有较强的艺术感染力和较高的审美价值。

（2）舞剧中塑造人物、抒发人物内心感情的重要手段，如中国舞剧《丝路花雨》中英娘反弹琵琶的独舞和古典芭蕾《天鹅湖》第2幕中奥杰塔的独舞。

（3）群舞中独舞的段落，其目的在于进一步刻画舞蹈中的主要人物和推动高潮的发展，如舞蹈《飞夺泸定桥》中班长的独舞和《战马嘶鸣》中小战士的独舞。

（4）古典芭蕾中的“变奏”。古典芭蕾从欣赏的角度还往往安排男女主人公及其他人物的独舞，用来表现演员的技巧水平，有较高的欣赏价值。独舞应当意境深邃、结构精练，以丰富的情感、生动的舞蹈和高超的技巧相结合，创造出完美动人的舞蹈形式。因此，独舞对表演者的要求也特别严格，独舞演员应有良好的身体素质、娴熟的技术技巧、高超的表现能力和全面的艺术修养。

双人舞

双人舞，舞蹈样式之一。（1）由两位演员表演的、结构完整的、有独立主题的舞蹈作品，如中国舞蹈《再见吧！妈妈》、《飞天》、《怀念战友》。它们都有独立的主题、内容、情节（或双人舞情绪和意境）。（2）舞剧或大型舞蹈中的双人舞，是用来塑造主要人物，揭示其内心世界和推动情节发展的重要手段，如中国舞剧《鱼美人》中鱼美人和猎人的双人舞；芭蕾《奥涅金》中塔吉雅娜和奥涅金的3段双人舞。双人舞要求结构精巧、形象生动，演员除要求具备独舞演员的条件外，还要求具有较高的合作意识，表演时能默契配合。

群舞

群舞，舞蹈形式之一，指人数不等的多人舞，具有丰富多彩的画面变化和舞蹈构图。

（1）表现独立的主题、情绪和意境的完整的舞蹈作品。如《红绸舞》、《摸螺》、《飞夺泸定桥》等。大致可分为抒情性舞蹈和情节性舞蹈两类。群舞在中国舞蹈中最常见，这类作品除以群舞为其基本组成因素外，有时也在群舞中穿插独舞、双人舞、三人舞，以突现群众中的某个或某几个人物形象，并从艺术上通过变化、对比以增强美感。

（2）舞剧或大型歌舞、音乐舞蹈史诗中一些有相对完整性、表达一定情绪的多人舞蹈，目的在于创造规定情景、烘托气氛和展示地方特点和民族风格，如中国舞剧《小刀会》中的集体《弓舞》、音乐舞蹈史诗《东方红》中的《葵花舞》、《中国革命之歌》中的《春风春雨》和古典芭蕾《天鹅湖》第2、第4场中天鹅少女的群舞等。群舞是一种集体性舞蹈，特别要求动作的整齐和风格的一致。

舞剧

舞剧，作为舞蹈、戏剧、音乐相结合的表演形式，在我国历史上源远流长。

在可供查证的史书典籍中尚未见有关舞剧艺术起源的记载，不过，具有戏剧因素的乐舞却可追溯至公元前11世纪左右的西周时期，著名的《大武》就是综合了舞、乐、诗等艺术形式，表现武王灭商这一历史事件的情节性大型歌舞。此后出现的《九歌》，虽具有更强的舞剧因素，但依然不是我们今天所共识的严格意义的舞剧。至于明、清以后，舞蹈融入戏曲的史实，也不能说舞剧已经诞生。作为一门独立的艺术形式，中国舞剧于本世纪30年代方才初见端倪。从某种意义上说，经过“外来艺术”的引进和吴晓邦、戴爱莲、梁伦等新舞蹈艺术先驱的探索，才形成了相对完整的中国民族舞剧艺术。

中国舞剧的探索始终遵循着“古为今用”、“洋为中用”的原则，注重融会贯通和群众的喜闻乐见。民族舞剧的探索促进了戏曲舞蹈的提炼与改造，逐渐形成了一种约定俗成的“古典舞风格”。

从1949年至“文革”前可看作其实验性的新兴期，创作大都以继承发展戏曲舞蹈与借鉴前苏联芭蕾舞剧的经验相结合。其间作品有：《和平鸽》、《盗仙草》、《碧莲池畔》、《刘海戏金蟾》、《宝莲灯》、《鱼美人》、《小刀会》、《五朵红云》、《蔓萝花》、《蝶恋花》、《狼牙山》等。

“文革”后进入文艺复苏期，全国各地竞相推出大型舞剧，舞剧的创作视野和表现题材都有了极大的拓展，中国舞剧在大胆地吸收、借鉴中，更呈现出多元化的发展趋势。其间作品有：《丝路花雨》、《文成公主》、《铜雀伎》、《半屏山》、《奔月》、《凤鸣岐山》、《木兰飘香》、《召树屯与楠木诺娜》、《卓瓦桑姆》、《珍珠湖》、《灯花》、《森吉德玛》、《春香传》、《阿诗玛》、《丝海箫音》、《蘩漪》、《悲鸣三部曲》、《雪妹》、《红高梁》、《边城》等。

在中国舞剧中还有一类作品，就是气势恢弘的乐舞史诗。它本是中国自古以来乐、舞、诗三位一体的传统艺术形式，其源头可以追溯至千年以前的《大武》、《九歌》等，此类作品可以包容的题材十分广泛，以表现气势宏伟的重大的历史题材为其擅长。建国后的三部型音乐舞蹈史诗《人民胜利万岁》、《东方红》、《中国人民革命之歌》堪称绝版。

另外，新时期以来，我国还陆续上演了不少仿古的大型乐舞。如《仿唐乐舞》、《唐·长安乐舞》、《编钟乐舞》等。此外，反映民族风情的题材也可谓琳琅满目。其中以《黄河儿女情》、《黄河一方土》、《土里巴人》等代表。

芭蕾舞

“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，十八世纪传入俄国，二十世纪二十年代传入我国。芭蕾（Ballet）一词，来源于意大利语的Ballare（即跳舞）和古拉丁语的Ballo，最后用法语的Ballet确定下来，并一直沿用至今。

芭蕾最是欧洲各国的古典舞剧的统称，是一种以欧洲古典舞为主要表现手段，综合音乐、戏剧、舞台美术等艺术形式的舞蹈品种，最初是一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和结构形式。

芭蕾舞

随着芭蕾舞的不断发展，逐步形成了不同风格特点的意大利学派、法兰西学派和俄罗斯学派等，20世纪以后出现了现代芭蕾学派，并陆续派生出许多芭蕾学派，风行欧美。为此，芭蕾便分为宴会芭蕾、宫廷芭蕾、音乐芭蕾、剧情芭蕾、浪漫芭蕾、古典芭蕾、歌剧芭蕾、现代芭蕾。宴会芭蕾是一种把歌、舞、朗诵、戏剧表演综合起来的表演形式，也就是最初的芭蕾。宫廷芭蕾是将戏剧、音乐、舞蹈、朗诵、杂技的综合在起来的表演形式。音乐芭蕾是以展现舞者技巧为主要目的的芭蕾舞蹈。剧情芭蕾是有故事剧情的芭蕾舞蹈。浪漫芭蕾又称“白色芭蕾”，女舞者以身着白色钟罩型纱裙，脚穿特制的舞鞋立着脚趾舞蹈。古典芭蕾是指女舞者穿著华丽的短裙，和男舞者以古典舞蹈特有的形式舞出。歌剧芭蕾是指在歌剧当中穿插的芭蕾舞。现代芭蕾是是结合芭蕾舞与现代舞而创造的，在芭蕾中融入现代元素。

作为一门综合性的舞台艺术的芭蕾，在1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位，即一、二、三、四、五个脚位，一位是两脚跟紧靠在一直线上，脚尖向外180度。二位是两脚跟相距一足的长度，脚部向外扭开，两足在一直线上。三位是两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开。四位是两脚前后保持一足的距离，两足趾踵相对成两直线，腿向外转。五位是两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转。这五个脚位一直沿用至今。

至于手位，分为法国派和意大利派，前者有三个手位，也就是双手在正面的腹前成自然圆成一位，双手在旁侧伸，在视线范围内，手心向内成二位，双手上举在头上方的视线内成三位。后者为四个手位，即双手垂下成自然圆，手指轻触在大腿旁的位置成一位，双手在旁侧伸成二位，一手在身体前手心向内，另一手在旁侧伸成三位，一手在身体前与横隔膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方成四位。但随着芭蕾舞的不断发展，在我国使用的是七个手位，一位手：手自然下垂，胳膊肘和手腕处稍圆一些。手臂与手成椭圆形，放在身体的前面，手的中指相对，并留有一拳的距离。二位手；手保持椭圆形，抬到横隔膜的高度。三位手；在二位的基础继续上抬，放在额头的前上方。四位手：左手不动，右手切回到二位，组成四位。五位手：左手不动，右手保持弯度成椭圆形。从手指尖开始慢慢向旁打开。六位手：右手不动，左手从三位手切回到二位。七位手：右手不动，左手打开到旁边，双手相同地放在身体的两边。

由于浪漫芭蕾舞的出现，因此芭蕾舞便有一个重要特征，那就是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞，也有人称之为脚尖舞。所以芭蕾舞讲究开、绷、直、立、轻、准、稳、美，开是指腿的外开性，也就是要把腿从大腿根处向外转开到最大限度。绷是指要绷脚。直是指主立的腿（支撑腿）和伸出的腿（动力腿）的膝盖要伸直。立是指身体要直立、挺拔，整个人有一种上升的感觉。轻是指跳舞要轻盈、自如。准是指准确完成每个动作和舞姿的规格要求。稳是指动作要做得稳健。美是指舞动中的一举一动，每个舞姿造型，每个动作的过程都要美。除此之外还要拥有旋转技术、跳跃技术、脚尖技术、控制技术、双人舞托举技术等。

总的来说，芭蕾是舞蹈中最为高雅、最能显示舞者气质的艺术表现形式，从而让人们以传统和现代的思想去欣赏“早期”、“浪漫”和“古典”这三个传统时期的芭蕾艺术。

爵士舞

爵士舞是随着爵士乐的产生在美国五十年代末期，六十年代初兴起的一种舞蹈形态。它不拘泥于形式，伴随着富有动感和节奏的音乐自由的舞动，让人从身体到心灵上都获得充分的释放。

爵士舞是一种急促又富动感的节奏型舞蹈，其主要目的是娱乐别人也娱乐自己。不虚饰的表现形式和舞蹈时散发出的愉悦气氛极具感染力。几乎每个人都能掌握它，它可以帮助矫正形体，展现优美体态，特别适合对自身形体不满意的朋友学习，而且爵士舞的表演空间很广。

爵士舞是愉快、活泼、有生气的一种舞蹈。其特征是可自由自在的跳，不像传统的古典芭蕾局限于一种形式或遵守固有的姿态，又不像的士高舞那种完全的自我享受，它在自由之中仍有一种旋律的存在。在舞蹈技巧上，爵士舞应用了芭蕾舞的动作位置和原则、踢踏舞的技巧和灵敏性、现代舞的身体收缩与放松、拉丁舞的摆臀以及东方舞蹈的上半身挪动位置等等，将多种舞蹈的精华容入其中，从而展现其自身的舞蹈魅力。

今天，我们所看到的爵士舞蹈，它保留了过去切分音乐的旋律，肢体的抛掷或独立运作的特性，但是它不只是用爵士音乐来表演，它也可配合流行音乐，蓝调音乐，摇滚音乐或是的士高音乐来演绎。现今的爵士舞蹈，具有很大的包融性和很强的可塑性，并可以随时吸收最流行的音乐和舞蹈的特性，也正因如此，爵士舞极具娱乐性并为大众所欢迎及接受。

踢踏舞

踢踏舞的英文是Tap Dance，tap有拍打扣击的意思。踢踏舞的正式形成是在20年代的美国。这之前爱尔兰移民和非洲奴隶把各自的民间舞蹈带到了这块移民大陆上，这些民间舞蹈逐步融合形成了新的舞蹈形式——踢踏舞。在踢踏舞刚出现时还有个名字叫Hoofing，也有踢踏、跳舞的意思。因此当时跳踢踏舞的人还被叫做hoofer。有意思的是hoofer这个词还有黑人的意思，这说明了当时的踢踏舞者多为黑人，而且也说明了踢踏舞与黑人舞蹈的渊源。

踢踏舞主要是穿着特制的带有铁掌的舞鞋，利用灵活的舞步在木地板上打击出多样的节奏。其形式不拘一格，是一种非常自由的舞蹈形式。历史上许多的舞蹈家都不断在丰富踢踏舞的形式。

踢踏舞

除此之外，与其他一些以脚步打击节奏的舞蹈相比，踢踏舞更注重脚步打点的复杂技巧与节奏，并且与爵士乐有着更紧密的关系。例如西班牙的综合表演艺术弗拉门戈中就有脚步打点的舞蹈，但其节奏是与西班牙的民间吉他音乐配合的，而且脚下的舞步也与西班牙舞蹈挺拔矫健的舞姿配合，有力而简洁。例如我国藏族舞蹈中也有穿着靴子的“踢踏舞”，多以顿踏为主，也是与民间音乐和藏族舞姿融为整体的。而踢踏舞则不太强调身体的舞姿，象注重爱尔兰风格的踢踏舞多保持上身不动，黑人味浓厚的踢踏舞则经常随意地摇摆身体。甚至还有很多滑稽搞笑的动作，例如早期一种吸收了爱尔兰舞蹈手臂动作的称为Wing（翅膀）的舞步。

踢踏舞与爵士乐的联系非常紧密，吸收了许多“爵士味”的因素，例如切分节奏和即兴表演。一些踢踏舞大师与爵士乐大师常常联袂演出。当然踢踏舞也有一些基本的舞步训练。

一直以来，踢踏舞都被认为是偷来的舞蹈和挑战的舞蹈，因为它是发源于社会底层民众，发源于农场和街头，而且早期几乎都是黑人在跳。在农场和种植园里，黑人奴隶被禁止进行跳舞敲鼓的传统宗教仪式，于是他们就在偷偷的活动中用拍手和脚部击打地板来代替击鼓。在城市，黑人不能象白人一样去舞蹈学校，而是经常互相切磋学习，“偷”学对方舞步，并且互相比赛竞争。这种互相“较劲”的形式在今天的演出中依然存在。

在本世纪早期美国的禁酒时期，一些非法的酒馆不仅供应酒，还雇了许多黑人表演歌舞，包括踢踏舞以娱乐白人顾客，例如著名的棉花俱乐部。1921年融合了歌舞等的百老汇表演形式开创，使踢踏舞得到了进一步的发展。踢踏舞的发展在近代更是发生了巨大的飞跃，它被广泛地运用到俱乐部娱乐、巡回演出、百老汇歌舞以及好莱坞电影等各种场合，成为代表美国的“传统民间舞”，成为具有世界影响的舞蹈。而且它更是反过来影响了最初来源的一些民间舞蹈，比较典型的例如爱尔兰舞蹈，反过来吸收了踢踏舞的技术和表演形式，形成了娱乐性很强的，传统与现代相结合的舞台表演形式。

这种类型的踢踏舞演出比较突出地体现了现代娱乐业的发展与包装作用，它充分利用了舞台灯光、布景、音乐以及整体策划与情绪煽动，形成了更具观赏性与娱乐性的演出。比较成功的还有澳大利亚的踢踏狗舞团。

踢踏舞与音乐有着非常紧密的联系，甚至有一种说法认为一位伟大的踢踏舞家更是一位音乐家。一般的舞蹈教学在老师示范时主要是模仿动作，然后合音乐。在踢踏舞的教学中，不仅仅要看，而且听节奏、感觉节奏更为重要。学会了舞姿不会节奏是不行的，节奏对了舞姿是可以不必完全模仿准确的。

在早期的踢踏舞比赛中，评委甚至坐在木制的舞台下面，根本不看舞蹈演员，而只是听他们打出节奏的轻重缓急，最重要的是节奏是否清晰。一个好的踢踏舞者，不管是多快的节奏、多复杂的舞步、多轻的声音，都必须做到清清楚楚。有了好的音乐修养，还可以完全即兴地随音乐表演。

随着踢踏舞的发展，舞蹈演员可以用各种方法发出更多的不同的声音。最早的舞鞋是整体的木制鞋底和后跟，后来将其分成了前后两个部分，再后来又出现了铁制的鞋掌。有的人还故意将铁掌的螺丝拧松，以发出更多的声音。现在手段就更多了，有的在撒了沙子的地面上跳……有的在电子鼓上跳，追求更多的音响效果。

霹雳舞

“霹雳舞”动感和节奏感非常强烈，跳起来可以尽情尽兴，青年人对跳这种舞简直到了如醉如痴的程度。那么霹雳舞是如何来的呢？

霹雳舞起源于美国，它的创始人是美国东海岸黑人歌星詹姆斯·布劳德。他于1949年在电视上唱新歌时，自己创作了一种希奇古怪的动作，青年们竞相模仿，并在街头进行跳舞比赛。这种舞蹈传到西海岸洛杉矶后，又出现了模仿木偶机器人动作的舞蹈。美国东西两岸两大派街头舞蹈结合起来，深受青年们的欢迎，因这种舞蹈大都在街头表演，故又称“街头舞蹈”。

这种舞蹈的英文名字为“Break Dance”，中文译为“布雷克舞”，也有人形象的译为“霹雳舞”。对于跳“布雷克舞”的人来说，霹雳舞是个专用名词，只有那些贴近地面，以头、肩、背、膝为重心，迅速旋转、翻滚的动作才叫“霹雳”。模仿木偶、机器人或月球漫步的舞步，是“布雷克舞”的另一种形式。

Breaking、Breakdancing、Break Dance、Rocking都是霹雳舞，早期的霹雳舞叫做B-Boying，是20世纪60年代末70年代初起源于美国纽约布朗克斯区的一种技巧性很强的黑人舞蹈。霹雳舞者称为B-Boy（霹雳男孩）或B-Girl（霹雳女孩），这里的“B”代表Break、Beat、Bronx或者Boogie，后来Break Boy被广为接受。

肚皮舞

肚皮舞，如同其他舞蹈一样，是人们表现自我的一种方式。舞蹈是一种古老的人类情感的表达方式，世界上各个地区各个年代都有很多种舞蹈形式。虽然不清楚肚皮舞究竟有多么古老，但它是极具地域特色的，它存在于今天的土耳其安那托利亚地区和其南部的一些阿拉伯国家。

肚皮舞

很早以前，肚皮舞是用来取悦社会地位高的男性及他周围的人群的。之后才逐渐在民间流传开来，但基本上跟初期一样，特别是在吃饭、喝酒、娱乐的时候表演的。同时，民族舞蹈在土耳其是为了庆祝当地的一些民族节日而表演的，而并非是人们在吃饭喝酒时表演的。每个民族舞蹈里面都有不同的故事。土耳其的所有城镇都有属于自己的不同的5～10种民族舞蹈，穿着当地特色服装的很多男孩女孩，伴随着当地的音乐翩翩起舞。肚皮舞呢，则是土耳其各地都有的，伴随着特殊音乐，专门由穿着特殊服饰的女士跳的一种舞蹈。幸运的北京朋友2005年初能在国际舞蹈节上欣赏到来自土耳其的肚皮舞表演。

肚皮舞是一种非常女性化的、只限女人来跳的、非常性感的舞蹈，但是这并不代表引诱勾引。从观众中您就能明白它的特点，事实上，在土耳其，不仅仅男人看这种舞蹈，女士、女孩甚至小孩也能一起观看。肚皮舞的另一个特点就是您在桌子边吃饭、喝酒、娱乐的同时，肚皮舞者将在桌子周围跳舞，舞者甚至会在桌子空处跳舞，还会邀请男男女女的观众们一起参加，以更好得娱乐观众。

在土耳其人们娱乐的时候，还有一些包括男士在内每个人都可以跳的舞蹈叫“双弦舞”。这种舞跟肚皮舞的一些简单动作相似，但是如果男士也学肚皮舞的话，如果他们觉得让女士们看见比较难为情，他们可以跟男性朋友一起或者自己练习，这对身体健康是十分有益的。事实上，众所周知，肚皮舞是放松神经，燃烧腰腹部脂肪，尤其是妇女生过小孩之后重塑曼妙身材的好方法。因此，今天在世界各个大城市观看和学习肚皮舞的人越来越多。

拉丁舞

拉丁舞分为拉丁国标舞和拉丁舞：

拉丁国标舞是规范、严格、标准的，它是在拉丁舞的基础上发展规范形成的竞技专业舞蹈，内容包括伦巴、恰恰、牛仔舞、桑巴、斗牛舞。

拉丁舞又称拉丁风情舞或自由社交舞。它是拉丁国标舞的起源。拉丁舞是大众民间舞蹈，随意，休闲，放松是它的特点，有较大的自由发挥空间，它是拉美人民在漫长的历史长河中形成的具有鲜明特点的激情、浪漫而又富有活力、火热的艺术表现形式，深受拉美人民的喜爱，成为他们生活中必不可少的重要的组成部分。

其中最出名也为大多数人所喜爱的Salsa起源于古巴，古巴Salsa来源于曼波，曼波是20世纪40年代—60年代非常流行的舞蹈，恰恰是他的一个变种。古巴风格salsa源于街头，人们伴着音乐翩翩起舞，自由派对，空气中弥漫着欢乐和喜悦。现流行欧美和世界的salsa是美国纽约salsa。美国纽约salsa和古巴salsa有本质不同，纽约salsa是一小节4拍，跳3步，第4拍停顿不跳，特点是欢快热烈，舞蹈动作花样繁多，变化快，具有很强的欣赏性和表演性。全身心投入，身体的每一部分都充满了激情与活力，纽约跳法目前是主要跳法。古巴salsa，古巴跳法每小节4拍跳4步，第4拍点地，特点风趣和自娱自乐成分较多，比较而言，纽约三步跳法更激情更有魅力和更富有活力。

拉丁舞的五项舞蹈各有风格，桑巴的激情，恰恰的活泼，伦巴的婀娜，斗牛的强劲，牛仔的逗趣。风格的不同，最主要的是内涵的把握。

在于对音乐的理解，更主要是音乐的旋律。作到学舞，练舞，走舞，跑舞，跳舞。而跳舞是舞者的最高境界。我们大家都知道，音乐是舞蹈的灵魂，舞者通过肢体表现流动的音符，才是舞蹈的最高境界。

东西方文化的差异造成了我们东方人在跳拉丁舞时常常带有含蓄，羞怯，不敢用身体去表达甚至于不敢用眼睛去交流。所以，多了解一些西方文化对跳出“有味道的拉丁舞”很有帮助。

舞伴之间的平衡，用力的平衡，重心的平衡，六维空间：上下，左右，前后。总之，平衡无处不在，平衡贯穿舞蹈的始终。至于Merengue则起源于多米尼加，每小节2拍，随着髋关节左右依次摆动，循环往返加上手的不断变化，极富浪漫、性感和魅力。

拉丁舞是以运动肩部、腹部、腰部、臀部为主的一种舞蹈艺术。参加运动的包括腹直肌、腹内斜肌、腹外斜肌、竖脊肌、背阔肌等上百块肌肉。从上世纪60年代至今，许多科研人员对体育舞蹈的生理和心理作用做过研究，平均每跳一曲拉丁舞，腰部的扭转有160—180次，女子的最高心率可达197次/分钟，男子的最高心率可达210次/分钟。大约能量代谢为8．5以上，相当于运动员完成一个800米的热能消耗量，大于网球和羽毛球的热能消耗。减脂效果可想而知！

拉丁舞中最具代表的舞蹈是伦巴，它被誉为“拉丁之魂”。学习拉丁舞的人，一般会把伦巴作为入门的第一支舞来学习。伦巴是表现男女之间爱情故事的舞蹈，所以它的音乐较为柔美和缠绵，动作上能使女伴充分展现女性的柔媚和胯部、臀部的曲线美。男女伴之间若即若离，十分优美。而另一种具有代表性的舞蹈——恰恰则起源于墨西哥，虽与伦巴有很多相通的地方，但它俏皮欢快，风格与伦巴截然不同，动作潇洒帅气而又充满活力。

探戈

探戈是世人皆知的舞蹈形式，它作为阿根廷的国粹享誉世界。准确地说，探戈的最初形式来源于西班牙和非洲，然后在阿根廷的土地上与当地舞蹈文化融合而发展成为一种新的舞蹈形式——阿根廷探戈。新形成的探戈中已很难看到它最初的原貌了，经过在阿根廷移民大陆上的洗礼，已经完全造就了新的探戈舞蹈形式。

现在人们说起探戈，好像是一种穿着晚装礼服的高尚文雅的舞蹈文化，殊不知探戈形成之初是地地道道的下层人的舞蹈。在19世纪80年代，大量来自欧洲和非洲等地的移民涌向布宜诺斯爱利斯，他们被称做“陌生大陆上的陌生人”。他们，还有那些常年在外的海员们带着深深的、无根的漂泊感，沉沦在平民区的酒馆和舞厅中，借着酒精和娱乐把忧愁淹没在内心深处。探戈音乐和舞蹈就产生在这些酒吧舞厅中。到了20世纪初，随着阿根廷社会的安定发展和低层大众地位的提高，探戈开始为越来越多的人所接受并且以独特的的魅力征服了世界。

拉美地区还有许多其他有特色的舞蹈文化，比如古巴柔媚诱惑的伦巴，巴西热烈奔放的桑巴等。但探戈与它们都不同，探戈的纵情是沉静内含的而不是热烈宣泄的。这是因为在探戈中人们浸润了一种哲学般的忧伤，这种忧伤中有身在异乡的游子情怀，有命运坎坷的艰辛，也有对人生的痛苦思考。这种忧伤在探戈形成初期就深深地根植其中，人们把忧伤化做真挚的情感毫无保留地体现在探戈之中，使探戈具有一种不可言传的动人与一种永恒的意味。有人说，探戈是一种舞蹈，也是一种文化，还是一种人生的方式。

相传阿根廷男士与舞伴跳探戈时都腰佩短剑，以防情敌干扰，因此形成面部表情严肃，拧身转头快速，不时左顾右盼的特点。

这里面还有一个小故事，说是有一个海员，与女友亲密相伴，但在出海时总要分别一段时日。有一天出海归来，两人久别重逢，又愉快地跳起了探戈。跳着跳着，海员发现女友老是扭头，于是猛一回头，发现女友正在看着自己的新伙伴，顿时醋意大发。所以后来就有了男舞者快速扭头监督自己舞伴的动作，因为怕被发现，刚一扭头又马上还原。而聪明的女舞者也学着扭头，看对方发现了自己什么没有。(www.zuozong.com)

另外，探戈中还不时有一些停顿的动作。这是早期笨重的服装和带马刺的靴子不便于行动所留下的遗迹，探戈也因此被称为“瞬间停顿的舞蹈”。

阿根廷探戈的曲调大多为哀伤、惆怅的情绪气氛，有很多切分节奏。舞蹈在吸收外来舞蹈的基础上组成了新的舞蹈结构与动作，男女舞伴起步，相拥而行，然后停步展示形体动作。以小腿的动作为主，男女舞者以娴熟的配合跳出一系列令人眼花缭乱的舞步。他们面目沉静投入，非常默契，跳舞时好像在讲述他们生活中的故事。情感自持内蕴，动作张驰有致。两人以男子为主导，拧身转头快速，女舞者在移动的舞步中常常有短暂的后倾以突出顿步。

华尔兹

华尔兹又名圆舞，这是因为华尔兹在整个舞蹈过程中，大部分都在不停的旋转。

华尔兹来源于欧洲，是欧洲的一种土风舞，到了18世纪，华尔兹成为极流行的社交舞厅舞。华尔兹有论舞步与乐曲，都和其他舞步有显著的不同之处，主要区别是华尔兹是3拍子的舞步，所以有人称之为快三步舞或慢三步。华尔兹舞曲轻快，明朗而动人，舞步也是如此，令人有飘飘欲仙的感觉，比其他舞步更有诗意，更温文而雅。这也是华尔兹能流行百年而成为标准的主要原因。

莫扎特、肖邦、柴可夫斯、施特劳斯等音乐大师皆写下了不少不朽的华尔兹舞曲，特别是施特劳斯，把华尔兹变成的不朽的舞蹈，使它成为舞蹈之王。

华尔兹的基本舞步结构，是由前进（或后退）、横移、并脚三步构成一个基本旋回。这样，第一个旋回和第二个旋回，就要出现必然的换脚变化。这是初学者必须解决的第一个障碍。在练习中，要逐步养成这样一种概念：重心是在两脚之间依次交换的，即使是并脚的舞步，重心落在双脚上的时间也是极短暂的，它只不过是一种特殊的交换重心的形式而已，这种特殊形式是为了造成“不露痕迹的交换重心的形态”。但主观上的换脚意图却是丝毫也没有变化的。只要保持这种意图的连续性发展，就可以很容易的越过这个障碍。

第二个问题是脚跟、脚掌、脚尖的运动程序及其方法的问题。前面已经介绍了基本运步方法，现在遇到的是在升降中如何处理它们之间的关系的问题。无论前进还是后退，在第一步重心转移完成后，都应把重心点移向前脚掌。尽管此时膝部还未伸直，但脚跟却应微微离地。向第二步发展的动力，就是由脚距离地而产生的脚掌推力引发的。第二步的横移，是运步的特殊形式，它既不是先落脚跟，也不是先落脚尖，而是近似于全脚的前掌落地，并伴随着反向的倾斜（即左横移时右倾斜，右横移时左倾斜）。此外还应注意，并脚动作井非从第三拍才开始，而是在第二拍的后半拍就伴随着身体的上挺和倾斜。开始向并脚发展（靠拢）。此时的重心完全处在横移脚的前半脚掌上。第三拍的并脚是在完全没有重心的状态下到位的，而且直到第三拍的前半拍，重心都还在横移脚的前掌上上升，直至极限状态，并拢的脚掌才开始不露痕迹地支撑重心。这种双脚重心状态只不过是一刹那的表现。从第三拍的后半拍开始，脚跟开始下降，而下降的重心，则主要由并拢那只脚的脚掌支撑。换言之，横移脚的脚掌完成着推动脚跟上升的重心支撑任务，而脚掌下降的重心则落在并拢脚的脚掌上。上升和下降的转折点，就是重心不露痕迹地交换时间。这些要求对于一个初学者来说是太困难了。但假如你想跳出优美的舞步，这第二个障碍也是必须越过的。

华尔兹

第三个障碍是侧身与倾斜。倾斜乃是通过侧身动作的延伸，也就是肩部引导来实现的。再进一步深入地说，这一系列的上身动作，都产生于腰部的力量，而不是某一个局部的单独运动。这虽然是最高层次的要求，但却必须从一开始就引起注意。否则一旦形成局部性用力的毛病改起来就不容易了。上述三个障碍，大家可以根据自己的具体情况灵活掌握。基础较差的初学者，可以在练习基本步的时候，一个一个的解决；有一定基础的交谊舞爱好者，则可以用这些规范来提高自己的技术能力；假如你是一个急于求成的自娱性交谊舞跳怯的爱好者，懒得在这方面花费时间和精力，也可在越过第一个障碍后，完全可以将后两个问题置之不理，而不会影响你往下学习。不过当你的舞技进展到相当的程度后，肯定会对这些东西感兴趣的，那时候再来从头练习也无妨碍。

迪斯科

50年代的美国，千百万观众不仅可以听到猫王的最新摇滚歌曲，还能在每周一次的《美国舞台》电视节目中，看到十几岁的年轻人跳模仿猫王的的舞蹈——摇滚舞（摇动髋部，即扭摆舞）。

没有任何一种舞蹈能与扭摆舞相比。它为流行舞蹈引进了新理念：独舞，在原地跳，像用毛巾擦干身子那样简单，无论年老年少都适合。

20世纪60年代，一些新舞蹈跟着扭摆舞接踵而来。青年人在地下室的健身房里定期练习这些舞蹈，做着他们的明星梦，打发青春期的苦恼。流行文化观察家阿尔伯特·戈德曼谈到：“通过扭摆舞，美国学会了怎样‘放松’”。

扭摆舞正是迪斯科的前身。

（1）迪斯科登场

在困难时期，大家需要寻求一种放松的方式。

上世纪70年代一开始美国就出现了更多不安的气氛。高失业率与通货膨胀手拉手走进这石油短缺的年代。人们逐渐认识到“二战”以后的繁荣与发展给环境带来的影响。水门事件的丑闻和尼克松总统的辞职，使美国人对于政府的忠心不贰发生了动摇。

许多美国人从那种无能为力的大范围中退出来，回到属于他们自己的小世界。在这里，他们至少可以感到有些事儿自己还可以做做主。

跳舞可以使精神舒缓——迈开舞步、扭腰摆胯。回首1972年，迪斯科音乐那时正在“地下”播放——同性恋男子夜总会、黑人夜总会与拉美人夜总会，以及蓝领阶层住宅区的夜总会（白人孩子周六晚享乐的地方）。

人们很难查明哪一首歌是第一首迪斯科歌曲，因为迪斯科是一个各类音乐风格的混合体，其中主要包括节奏（Rhythm，特定鼓点）、布鲁斯（Blues，音速缓慢，第三音、第七音降调的慢摇滚乐）、灵乐（Soul，黑人歌曲）和芬克（funk，一种多切分音节奏、具有经常反复的低音爵士乐）。

某些人认为，迪斯科音乐和舞蹈只不过是“新瓶老酒”。但由于它的音乐和舞蹈产生的“社会震颤”相互交融，迪斯科几乎就是全新的。

（2）终于走出“阁楼”

迪厅是这样一块地方：当人们衣衫不整，成群热舞时，自己和伙伴们渴望已久的认同感仿佛也被找到了。通过非正式的社会关系网，他们相互都有紧密的联系，可以时常聚在一起。在面积不大，像“避难所”、“阁楼”、“第十层楼”那样的地下迪厅里，他们相互了解，知道与自己聚在一起的是同类人，有着共同的喜好。

“阁楼”地下迪厅位于布利克街北边百老汇附近。当卖酒的迪厅在周六夜里都关门时，唯独它能一直营业到周日清晨三点多钟。免费会员资格，3美元的门票包括所有的费用：免费潘趣酒、饼干，外加寄存与超级音乐混合。这些措施使“阁楼”非常受欢迎。无论是女人、黑人、拉丁后裔，还是男同性恋者，“阁楼”对他们都一视同仁。

当然，男女之间的吸引很强烈，迪厅里的人们也不例外，这里激情舞动的场面中，时常会见到热恋中的情侣。霍利兰在描述《迪斯科舞者》中“第十二层楼”迪厅的“鼎盛”时提到：“第二年它的名字已经世人皆知，而且好多人都想要去那儿跳舞。电影明星、摇滚明星、摄影师、巴黎的富翁和从达拉斯来的妇女都在这儿露面，它成功了。”

1975年秋天，经理毛利斯·勃拉姆斯主持的“永恒”夜总会开张，成功地融合了居民区的雅致和闹市的狂热，并对所有人开放。它的经理深知，有社会普罗大众的支持，“永恒”便会成功；反之，它将会垮台。和其他夜总会一样，“永恒”一改变经营方向，年轻、单身的中产阶级正派男女便大批涌入它的舞厅。两年以后，随着“永恒”的两位老主顾斯蒂夫·鲁贝尔和兰·施拉哲合办了一家“54号演播室”迪厅（Studio54）——娱乐产业中名气最大的迪厅夜总会开业了。

街舞

街舞，英文名HIP-HOP，是现代舞的一种类型。起源于美国街边轻松自由的黑人舞蹈，因其独特的HIP-HOP风格和无法抗拒的强大魅力，成为现代舞蹈健身的主流。街舞是一种健康的文化，在充满活力与激情的音乐中，只需要穿上至爱的T恤和宽松的板裤，就可以跟着音乐把手脚的能量尽情释放。

激越奔放的节奏，挥洒自如的舞步，活力十足的街舞深受青少年的喜爱，我们举办这样的活动一方面是为街舞的爱好者提供一个展示、交流的平台，另一方面是想努力使街舞成为广大青少年参与全民健身活动的新选择。从而也使街舞成为我市一道青春亮丽的风景。

街舞最早起源于美国纽约，是爵士舞发展到90年代的产物，它的动作是由各种走、跑、跳极其变化，以及头、颈、肩、上肢、躯干等关节的屈伸、转动、绕环、摆振、波浪形扭动等连贯组合而成的，各个动作都有其特定的健身效果，既注意了上肢与下肢、腹部与背部、头部与躯干动作的协调，又注意了组成各个环节的各部分独立运动（比如：一个上臂动作的完成是从手指、手掌、前臂，直到上臂与肩部的各种活动的有机结合）。因此街舞不仅具有一般有氧运动中改善心肺功能、减少脂肪、增强肌肉弹性、增强韧带柔韧性的功效，还具有协调人体各部位肌肉群，塑造优美体态，提高人体协调能力，陶冶美感的功能。

街舞

所谓的HIP-HOP DANCE，正是现在最广泛流行的一种街舞类型.如果我们以舞蹈的观点来看，它可以分成NEW SCHOOL和OLD SCHOOL两大类。如何去区分这两大类型呢？我们可以从年代及动作或是音乐类型来区分。其实HIP-HOP就是各种街舞的总称。事实上，我们所谓的BREAKING DANCE或是OLD SCHOOL正也是属于HIP-HOP的一种。这种OLD SCHOOL的舞蹈包含着LOCKING（锁舞）、POPING（机械舞）、BREAKING（霹雳舞）、WAVE（电流）这些东西（这种霹雳舞式的舞蹈风格著名的团体——Rock Steady Crew）。他起源于美国街头舞者的即兴舞蹈动作。这些街头舞者多半是以黑人或是墨西哥人为主，或许正是所谓的“穷人的娱乐”，这些流行的街舞多半发源自美国纽约的布鲁克林区（这一区住的全是一些穷困的黑人或墨西哥人）。这些黑人及墨西哥人的孩子们成天在街上混，跳舞，自然而然的形成了各种派系，也很自然的在他们所跳的舞蹈上表现出不一样的风格。

龙舞

龙舞，按《辞海》的归类和注释，龙舞是我国“汉族民间舞蹈形式之一”，流行于我国很多地区。西宁社火也不例外，龙舞的传统一直延续到现在。

（1）龙舞的由来

关于龙舞的由来，还得从“龙”说起。传说中的“龙”的形象乃是鹿角、马鬃、牛口、虎牙、蛇身、鱼鳞、雕爪、麒麟尾。它原来系初民各部落奉祀的图腾综合体，后来逐渐演变为汉族的民族象征。汉代百戏中的“鱼龙曼衍”就是明显一例。

西宁社火龙舞的舞具造型特点，是以每节龙体内能够点燃灯烛的龙灯为主，这种龙灯适合于夜间演出，这也符合西宁社火以灯火为主的特点。从演出效果上看，龙灯随风摆动，随着龙舞的各种不同姿势，忽明忽暗，时左时右，上下翻腾，犹如闪闪发光的巨龙在腾云驾雾。

（2）龙灯的扎制

龙灯的扎制大致上可分为龙头灯、龙身节灯、龙尾灯、珠灯和龙皮五大部分。传统的龙灯工艺是以竹、木、纸、布这原材料，也有用柔韧性较大的黑刺、胡儿条等代替的。现在选用八号铁丝这主筋，配以弹性较大的细钢丝，扎制的龙灯坚韧度比竹木龙灯强，且富有弹性艺术效果也比竹、木龙灯好。

（3）龙舞演员的化装

鬓插表码以示来自上方；头戴光棍口袋帽；额头画有团寿字图案，以示与常人有别；光棍服、灯笼裤或以腿带绑小腿部（也有扎大麻穗子装饰的）“勇”字坎肩；四片瓦的腿靠按龙分色，舞青龙者为兰色红边，舞黄龙者为黄色红边等。

（4）龙灯舞的表演

龙灯舞的表演按其表演形式的不同而命名，就西宁社火中的龙舞有《双龙对舞》俗称挽花子、《鲤鱼跳龙门》、《双龙戏珠》，单龙表演只有挽花子。这些节目的名称不一样，舞步和路线大同小异。就双龙对舞这种形式，是以舞龙八式为主，即以舞龙的基本步伐，按照舞龙的八种路线跑场。

舞龙的基本步伐有五步一摆头的游龙步，有碎步快跑的飞龙步，还有三步一摆头的腾云步。舞龙的八式路线是：圆场、搭门、舔龙和穿花，换向“8”字四门、盘龙、对盘、游龙以及卸场结束式。

（5）龙舞的伴奏

伴奏是以唢呐为主伴之以五步一点、三步一点和碎步锣鼓。据说唢呐是过去宫庭乐器中最主要的响乐。故在今某些古典戏剧中常用于帝王摆驾之时；社火龙舞被认为是帝王形象，当用此乐。其次，在西宁一带，唢呐被认为是神乐，民间婚丧大事，习用此乐，似乎成了上通天堂，下彻地狱之声。社火龙舞被子看作是人神共乐的一种舞蹈，唢呐就理所当然地成了其伴奏的主乐。传统的曲牌有《大摆队》、《双龙会》等。

（6）龙舞的习俗

搭门一节被子看作迎神的仪式。在双龙搭门时，人们总喜欢抱孩子到龙灯下过关煞。说可得保佑，有的将孩子的乳名改为龙王保或天神保等，若干年后，孩子长成，再到社火龙灯下过一遍，给龙搭一条红，说是赎身。

其次是四门，和跑满场四门一样被子认为是五方五地、朝33天。对此老人们常墨祷，以求人丁平安，五谷丰登。在龙灯舞动时，还有人悄悄拔几根龙须，缝在孩子的衣衫上，以求保佑。新扎制成的龙灯，在演出之前，要举行请龙仪式。说是因为龙（在西宁习俗上把河流称为青龙）源于泉，从泉边请来的龙才是真龙，灵验。在春节社火之后，农历二月二插铧播种之前，不少地方也兴擎龙游四方的习俗，说是按农头（当是西宁方言中“农”、“龙”同音）被看作是确保五谷丰登的必要措施。

冰上舞蹈

冰上舞蹈，起源于花样滑冰，始于20世纪30年代的英国。偏重舞步，强调用动作表达音乐。1937年英国举办首届冰上舞蹈锦标赛，1949年起被列为单独比赛项目。

冰上舞蹈是一对男女伴随着音乐的节奏在冰上进行一些舞蹈步法和舞姿滑行的表演。经过多年演变，已经超出了花样滑冰的范围，因而单独形成一项冰雪运动的比赛项目。

双人滑和冰上舞蹈区别：冰上舞蹈不允许用托举动作。冰上舞蹈的编排不是随意的，冰上舞蹈必须完成规定的各种舞蹈。

（1）基本规则

冰上舞蹈的比赛分三部分，分别是规定舞（规定图形）、创编舞和自由舞。规定舞（规定图形）必须首先滑行。创编舞必须在规定舞之后，但不得在同一天。自由舞必须最后滑行。

冰上舞蹈的一些基本连贯动作是：夏塞步侧步快滑，乔克塔步和莫霍步。

由一男一女配对参赛。比赛按规定舞、创编舞和自由舞的顺序进行，第一天规定舞，第二天创编舞，第三天自由舞。

第一，规定舞（Compulsory dance）：根据规定的音乐、图案、步法和重复次数完成动作。规定舞共有22套，国际滑冰联盟用抽签方法确定两套作为下年度的比赛项目。裁判员根据运动员完成动作的质量和姿势评定技术分和表演分。

第二，创编舞（Original dance）：又称定型舞。运动员按规定的韵律自选音乐，在规定的时间内完成一套自编的舞蹈步法和图案。裁判员根据运动员完成的动作情况评定编排分和表演分。

第三，自由舞（Free dance）：运动员自选音乐，在规定的4分钟内完成由各种步法、托举、小跳、姿势、握法等动作组成的自编舞蹈，裁判员根据运动员完成动作的质量、风格和创新等评定技术分和艺术印象分。冰上舞蹈的评分和确定名次的方法同单人滑。

冰上舞蹈

（2）主要特点

冰上舞蹈有别于男女双人花样滑冰，它偏重于舞步，对技巧性动作有严格的限制：不允许有典型的双人滑动及单人滑的跳跃与旋转动作，诸如太多、太高或超过一周半转体的托举，两人太多、太长的分离，两人同时的跳跃，以及过多的造型等，更忌讳单手相拉的姿势和滑行中一人在另一人身上坐、靠、躺的造型动作。上述动作在冰上舞蹈比赛中出现，都要被扣分。

水中芭蕾

花样游泳是女子体育项目。原为游泳比赛间歇时的水中表演项目。由游泳、技巧、舞蹈和音乐编排而成，有“水中芭蕾”之称。花样游泳是一项具有艺术性的优雅的体育运动，它也需要力量和技巧，需要许多年不断的训练来掌握。有十个裁判关注她们的每一个动作，运动场必须作出许多组推举、旋转、弯曲，所有这些动作都不能借助于池底的地面。还要在不呼吸的情况下作伸展，常规动作要持续五分钟，同时进行表演。即使在最紧张的常规动作要求里，水上芭蕾运动员们还要努力保持轻松的想象。

（1）历史起源

花样游泳起源于欧洲，1920年花样游泳创始人柯蒂斯（Katherine Curtis）将跳水和体操的翻滚动作编排成套在水中表演。1930年后传入美国和加拿大，在原有的基础上又逐渐配上舞蹈、音乐和节奏。起初仅作为两场游泳比赛的场间娱乐节目，后来逐渐融入舞蹈和音乐，成为一项优美的水上竞技项目。1934年在美国芝加哥万国博览会上举行首次表演，从而使其名声大噪。1937年考斯特成立世界上第一家花样游泳俱乐部。1942年美国业余体育联合会确认花样游泳为正式比赛项目。1952年被列为奥运会表演项目。1956年得到国际游泳联合会承认。1973年举行第1届世界花样游泳锦标赛。1984年第23届洛杉矶奥运会上，成为奥运会正式比赛项目，有单人和双人两项，1984年花样游泳被列为正式比赛项目，设女子双人和团体两枚金牌。

（2）技术动作

常规技术动作的要求是严格的。虽然运动员们可以选择自己的音乐伴奏，但她们必须按照规定做出一套动作组合。指定动作每四年由水上芭蕾运动技术委员会重新制定。一名运动员必须在10秒钟内完成常规动作，双人组合也就要在20秒内完成，一个大组要在2分50秒里完成。

（3）自由表演

八人组和双人组在自由表演中选择自己的音乐和动作。她们的目标是创造出一套动作，这套动作有创造性并且要可被鉴别，这套组合还需包含高难度的动作。一套这样的组合应包含有情绪和速度的变化，以及创新的动作复杂的组合和组合变化，还有壮观动作。自由表演的时间：双人组4分钟，八人组5分钟。

（4）水面停留

在所有的动作中，运动员有10秒钟可以浮在水面上，如果运动员选择它的话。这个动作可以给裁判和观众一个好的印象。虽然这个动作不被列入打分范围内，但它可以造就一个好的第一印象。

（5）技术价值

技术价值是看运动员在做特别动作中完成的情况。它包括三个部分：执行、协调、难度。

执行：执行要看游的方式、推进技巧和形态。运动员在水中应该轻松自如地做动作。裁判还要看运动员的耐力，一个顶尖的运动员从比赛开始到结束都应该保持高质量的游划方式并很好地运用推进技巧，而她们的花样在比赛结束时也应该如开始时那般简明而有难度。

协调性：在这一方面，裁判要看运动员和其队友及音乐的配合情况。八人组或双人组的成员们应该在动作、位置和换位上保持协调。她们无论在水上还是水下都要动作协调一致。

难度：在考虑到难度时，裁判看运动员的技巧和力量。裁判还要看运动员在水中的游法、花样的难度。还有一个考虑便是“冒险成分”——运动员在比赛中要表现出有难度相当大的技巧。

舞蹈《千手观音》

“千手观音”又称千手千眼观世音、千眼千臂观世音等。千手观音是是阿弥陀佛的左胁侍，与阿弥陀佛、大势至菩萨（阿弥陀佛的右胁侍）合称为“西方三圣”。

千手观音为观音部果德之尊。“千”为无量及圆满之义，以“千手”表示大慈悲的无量广大，以“千眼”代表智慧的圆满无碍。根据《陀罗尼经》云：千手千眼观世音能利益安乐一切众生，随众生之机，相应五部五种法，而满足一切愿求。

2005年春节联欢晚会上中国残疾人艺术团的节目千手观音感动了全中国。

《千手观音》在央视春节联欢晚会上给人以视觉的享受与心灵的震撼，21个平均年龄21岁的聋哑演员将舞蹈《千手观音》演绎得天衣无缝、美轮美奂。《千手观音》得到了多方认可。

《千手观音》由总政歌舞团的团长、中国舞蹈界“世纪之星”惟一获得者、被称为“舞界奇才”的张继钢编导，由中国残疾人艺术团的聋哑舞蹈演员演出。经过几年的锤炼，这个舞蹈节目已经成为中国残疾人艺术团“我的梦”专场演出的保留节目，在40余个国家的演出均引起轰动。2004年9月28日，《千手观音》作为主打节目在雅典残奥会闭幕式的8分钟演出，技惊世界。

生活在无声世界中的残疾人，能够将《千手观音》演绎得几近完美，经过了一个漫长的过程。张继钢介绍，为了让演员感受到音乐的节奏，准确地同时出手，他借助手语老师来为演员传递信息，用手语告诉演员舞蹈的一招一式。演出时，四个手语老师分别站在舞台四个角，她们的手成为聋哑演员的耳朵，手语传达出音乐节奏，聋哑演员便在“节奏”中摆弄出优美的舞姿。

千手观音

在《千手观音》中，站在第一位的舞蹈演员邰丽华神态圣洁高雅，舞姿优美，是整个舞蹈的灵魂。来自湖北的邰丽华2岁时失聪，15岁时学习舞蹈，舞姿成了她心灵的语言。邰丽华曾经获得过多个舞蹈的国际奖项，还曾以舞蹈《雀之灵》，成为中国惟一登上美国纽约卡内基音乐厅和意大利斯卡拉大剧院两大世界顶级艺术殿堂的舞蹈演员。她表演的《雀之灵》深深打动了著名舞蹈家杨丽萍，杨丽萍也成了她的指导老师。

乌兰诺娃

“芭蕾女神”乌兰诺娃，1910年1月8日出生于俄国彼得堡一个芭蕾世家，母亲罗曼诺娃是一位芭蕾演员，父亲乌兰诺夫是芭蕾导演和舞台监督。父母起初并没有想让乌兰诺娃也成为专业舞蹈演员。但母亲后来发现，女儿在童年表现出了一些与众不同的特质，她的动作轻松灵巧，对一切美的事物特别敏感，对音乐尤其偏爱。

乌兰诺娃进入了基洛夫剧院附属芭蕾学校，但那羞怯的天性在各方面都妨碍着她，在课堂上不好意思大声回答老师的问题，被老师叫起来，常常默默地站着，垂着头，暗暗流泪。她知道父母非常爱自己这个独生女儿，但教育太严格了，有时“甚至是残酷的”。不过她还是在舞蹈学校呆了下来。

1926年的一天，乌兰诺娃的母亲去观赏学生演出的《护身符》，由一群女生扮演的一群“星火”在满台飞舞，其中有一个女孩的造型特别吸引人，表演很有水准。她突然发现，原来这就是自己年方16的女儿！母亲终于发现了女儿具有的非凡潜能。

乌兰诺娃很快转到瓦冈诺娃的班上，向俄国最杰出的女子芭蕾教育家学习。乌兰诺娃体质很弱，几乎所有的常见病都得过。瓦冈诺娃也感觉到了乌兰诺娃体质柔弱，她帮助乌兰诺娃平衡发展整个形体的造型，使她逐渐形成自己的风格。可以说没有瓦冈诺娃，就没有以芭蕾而闻名世界的乌兰诺娃！

乌兰诺娃的成功也离不开她的父母。母亲一丝不苟的意识深刻地影响着女儿。她的父亲从不教她跳舞，可是他顺口提出的意见，往往一下子就能叫人记住。父亲也从不吻她，有时偶然走过，会轻轻揪一下她的头发或是拽一下她的耳朵，这就使她明显地觉察到他的极大的温存。

乌兰诺娃曾两次访问中国（1953、1959），志在世界各地演出，享有很高的国际声誉。乌兰诺娃的舞蹈艺术特色是：富于抒情诗意，刻画人物细腻，善于表现复杂的人物性格。在她的表演中，使舞蹈技艺、戏剧表演、造型姿态三者水乳交融，又都服从于形象塑造的要求。她反对为技术而技术，不单纯雕琢动作，而是追求表现人物内心的激情，即使难度很大的动作也显得自然、流畅，每个日常生活的简单动作则又表演得典雅而富有音乐感。她的舞蹈艺术，从一般的抒情逐渐发展成具有深刻的悲剧性，晚期表演的角色内心世界更为丰富复杂。

乌兰诺娃

她的代表剧目有：《巴赫切萨拉伊的泪泉》、乌兰诺娃表演《天鹅之死》、《罗密欧与朱丽叶》、《灰姑娘》、《天鹅湖》、《吉赛尔》等，吉赛尔发疯一场的舞蹈表演，被公认为她悲剧艺术的顶峰。她的学生如马克西莫娃等已成为著名芭蕾演员。

由于乌兰诺娃对苏联芭蕾事业的卓越贡献，曾两次获得苏联社会主义劳动英雄称号，志多次获得列宁奖金和苏联国家奖金。1951年，获苏联人民演员称号。她还曾担任第一至第六届瓦尔纳国际芭蕾舞比赛和第一届莫斯科国际芭蕾舞比赛的评委会主席。

伊莎朵拉·邓肯

邓肯是当代最伟大的舞蹈家，是舞蹈艺术的伟大革新者，是现代舞蹈的先驱。

邓肯于1878年5月27日出生于美国旧金山。父亲是一位诗人，母亲是乐师。邓肯降世不久，她一直随母亲生活。邓肯是四个孩子中最小的一个。这一群兄弟姊妹，从小受母亲熏陶，个个都热爱戏剧。可是，十分贫寒的家境使她们无法得到正规的艺术训练。

迫于生计，邓肯很小就开始给附近的孩子们做舞蹈教师。她和姐姐一起，编创了各种优美的舞姿。她们用舞蹈来表现音乐的旋律、诗歌的意蕴和自然风韵。一次在伦敦的公共花园里，邓肯展示了她优美的舞姿。一位贵夫人发现了她那优美的舞姿，并把她介绍给上流社会，作私人表演。这时邓肯的名声已广为传播，但生活仍旧窘迫。

1902年，邓肯到了巴黎，她很快名扬整个巴黎。此后，她到过德国、奥地利、匈牙利，还到过希腊。1921年，苏维埃政府邀请邓肯去苏俄，她满怀喜悦地踏上那片新土，并受到热烈欢迎。不久，她同苏联诗人叶赛宁结婚。1925年，叶赛宁自杀，邓肯又旅居巴黎。

“最自由的身体蕴藏最高的智慧”，这是邓肯的艺术目标和准则。她从小就反对传统的芭蕾舞，认为芭蕾舞不是“真正的舞蹈”，她的舞蹈理论深受柏拉图、尼采、卢梭和惠特曼等哲人的美学思想影响，她开创的现代舞具有与传统芭蕾完全不同的豪放风格，这种风格更属于美国。

邓肯的舞蹈在欧美红极一时，千千万万的观众为她倾倒。她因此而被誉为“一代舞后”和“现代舞之母”的称号。

1927年9月14日，邓肯围着的长围巾突然卷进汽车轮子里，飞旋的车轮当场把她勒死。时年49岁。